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martes, 2 de julio de 2019

Crítica de ‘Los días que vendrán’


Los días que vendrán es la última genialidad de Carlos Marques-Marcet quien vuelve a firmar una obra estupenda como ya hizo en 10.000 km (2014). La cinta cuenta la historia de Vir y Lluis, quienes solo llevan un año saliendo juntos cuando descubren que están embarazados. Durante 9 meses, el espectador seguirá la aventura de la joven pareja y el giro enorme que dará su vida, sus miedos y alegrías.

La película sabe explorar de manera brillante la dificultad de compartir con el otro la experiencia profundamente transformadora de este proceso. Un aspecto positivo de Los días que vendrán es que la protagonista está realmente embarazada y su compañero en la ficción es su pareja real. El film dedica bastante metraje a retratar cómo evoluciona la relación de los personajes, siendo muy interesante descubrir cómo la experiencia del embarazo provoca una ruptura en el entendimiento de sus protagonistas, más allá de su vínculo sentimental.


Foto: filmaffinity.com

Su carga dramática se sigue con gran interés gracias a un efectivo guion cargado de improvisación, una puesta en escena “invisible” que busca plasmar la vida cotidiana e íntima de sus protagonistas.

La ficción resulta tan espontánea y honesta que, a veces, parece que el espectador está viendo un documental. Uno de los puntos fuertes de Los días que vendrán incluye una vieja grabación en VHS con escenas del auténtico embarazo de la madre de la protagonista y su parto. El director se apoya con gran genialidad en esas imágenes para dotar de verdad y de reflexión a su tercera cinta. Una experiencia apasionante, que atrapa y estremece y que, sin duda, tiene todas las papeletas para triunfar en los próximos Premios Goya. Lo que sí es seguro es que se hablará mucho de ella y que se convertirá en una cinta de culto.

Valoración: 4,5/5
Lo mejor: Que nada en ella falla
Lo peor: Que ante tantas propuestas mayoritarias veraniegas pase totalmente desapercibida

martes, 26 de junio de 2018

Crítica de 'Hereditary': terror sin sabor palomitero


El terror, ese género que parece confeccionado para romper la taquilla a través del grito fácil y de sustos gratuitos. Esto es así en la mayoría de los casos (véase en las recientes Verdad o reto o en Los extraños: cacería nocturna) pero, como todo en la vida, hay excepciones, y una de ellas se llama Hereditary.

La cinta cuenta la historia de la familia Graham cuando empiezan a suceder cosas extrañas en su casa tras la muerte de la abuela y matriarca, que deja a su hija Annie en herencia su casa. Todo se complicará cuando la hija menor de Annie comience a ver figuras fantasmales, que también aparecerán ante su hermano.

Foto: filmaffinity.com

Leído así, su argumento puede parecer como el de muchos filmes de terror que tienen como escenario casas fantasmales llenas de espíritus. Sin embargo, no hay nada más lejos de la realidad, puesto que Hereditary tiene, en la forma de su narración, un toque que la hace diferente y que provoca que dé muchísimo miedo, de esos que quitan el sueño durante días.

Hereditary no es un largometraje de terror convencional. Eso hay que tenerlo claro, ya que muchos espectadores se pueden esperar de ella algo que realmente no les va a ofrecer. No hay sustos gratuitos ni sobresaltos durante las dos horas de metraje, aunque sí que hay mucha tensión en todo momento. No es una película fácil de ver, ya que tienes que estar pendiente de los detalles en cada momento.

La cinta dirigida por Ari Aster tiene una sustancia que está a la altura de sus sustos, siendo una de las obras de terror más traumáticas de los últimos años. El terror real se combina con el terror emocional de una forma asombrosa, siendo imposible de describir realmente lo que ocurre en pantalla. Sin duda, una experiencia totalmente recomendable para gourmets del terror.


Valoración: 4/5

Lo mejor: Su capacidad para generar tensión incluso en los momentos en los que no pasa nada

Lo peor: Que su innovación no sea bien digerida por aquellos que busquen un espectáculo palomitero

sábado, 9 de junio de 2018

Crítica de 'Tully': te echábamos de menos Jason Reitman

A finales de 2014 llegó a nuestras pantallas ‘Hombres, mujeres y niños’, una película que tenía un estilo de telefilme malo de la década de los 2000. Esa fue la última vez que supimos algo de Jason Reitman, el director que había triunfado con Juno y Up in the Air. Parecía que poco a poco se había ido desinflando y que, sus dos últimos trabajos eran, sin duda, lo peor de su filmografía.

Después de un necesario descanso, Reitman ha vuelto junto a la guionista Diablo Cody, con quien forma un buen tándem. Tully nos cuenta la historia de una mujer con tres hijos, que es incapaz de lidiar con su bebé recién nacido. Por ello contrata a Tully, una niñera con la que rápidamente desarrollará una conexión especial.

Foto: Fotogramas.es

El largometraje nos brinda unas brillantes interpretaciones de Charlize Theron y Mackenzie Davis y nos ofrece una mirada divertida y penetrante al sacrificio que supone el criar a tus hijos. Entretiene al mismo tiempo que te hace reflexionar gracias al carisma de sus personajes y su capacidad de combinar el humor con temas serios.

La labor de la dirección es excelente, con unas secuencias de montaje maravillosas, que hacen que el espectador pueda empatizar con la cinta y capte su mensaje a la perfección. Realmente, Tully quiere que el espectador se dé cuenta de las mentiras que nos contamos a nosotros mismos para seguir cuerdos.

Tully es una comedia inteligente, que invita al espectador a reflexionar en una historia oscura con una gran carga profunda y más dramática de lo que parece. La conexión entre Theron y Davis es perfecta. Los tres años y medio de espera para que Reitman sacara una nueva cinta han merecido la pena. El director ha renovado sus ideas y ha vuelto más filosófico y profundo que nunca.

Valoración: 4/5

Lo mejor: La química que desprenden Charlize Theron y Mackenzie Davis


Lo peor: Cierto exceso en su conjunto, lo que puede provocar angustia en el espectador

sábado, 15 de julio de 2017

Crítica de Colossal: Monstruosa y brillante

Si te gustan las películas lógicas, con un orden narrativo correcto y sencillas, lo pasarás realmente mal viendo “Colossal”. Sin embargo, si la imaginativa narrativa es lo tuyo, el nuevo trabajo del director español Nacho Vigalondo, cuya anterior cinta fue “Open Windows” (2014), será una delicia para todos tus sentidos.
El filme cuenta con un argumento absurdo que es una mezcla entre el cine de ciencia ficción, el drama y la comedia más alocada. “Colossal” es el trabajo más redondo del director.
La cinta cuenta la historia de Gloria, interpretada de manera bastante correcta por Anne Hathaway, una chica con problemas con la bebida, cuyo novio rompe con ella. Enseguida, es acogida por Oscar (Jason Sudeikis), un amigo suyo de toda la vida.

                                                   Foto: Sensacine.com

“Colossal” explora un mundo fantástico. Nacho Vigalondo es, en parte, el Tim Burton español, solo que con mucha más imaginativa y con películas mucho más redondas que las del director estadounidense. Cuenta con un discurso personal bastante brillante que hará reflexionar a todo el espectador, y lo mejor de todo es que todo lo trata de una manera que parece bastante sencilla, cuando la realidad es bien distinta.
En cuanto a estética se refiere, la cinta es brutal. Desde que el monstruo irrumpe, el espectador se quedará fascinado con tanta belleza. Pese a que es algo irregular, ya que su segunda parte es bastante superior a la primera, la capacidad de sorpresa es bastante grande.
Vigalondo elabora un discurso en torno a la falta de control que es admirable, más propia de un filósofo que de un director de cine. “Colossal” hace algo fantástico que es que, guste o no guste, el espectador se quedará marcado y reflexionará un buen rato sobre las temáticas tan sorprendentes que ha tratado esta joyita audiovisual.

Valoración: 4,5/5
Lo mejor: La moraleja que esconde y la manera de tratar cada uno de los temas que explota.

Lo peor: Tiene partes que son bastante superiores a otras.

sábado, 24 de junio de 2017

5 películas independientes con las que disfrutar del verano

El verano no es solo época de grandes estrenos y taquillazos. En los próximos meses llegarán a la gran pantalla títulos que, probablemente, casi nadie conozca, pero que son bastante atractivos.

Selfie (23 de junio)
Vista en la pasada edición del Festival de Málaga, "Selfie" cuenta la historia de Bosco, a quien su vida le da un giro de 180 grados al quedarse sin casa debido a su padre, un político corrupto. Una comedia dirigida por Víctor García León original, espontánea y con cameo de algunos políticos.

                                                    Foto: Cinemania.es

Colossal (30 de junio)
Nacho Vigalondo vuelve a la gran pantalla con un film tan absurdo como ingenioso, protagonizado por Anne Hathaway. Un giro de tuerca a la ciencia ficción es uno de los largometrajes más ingeniosos de lo que va de año. Se conoce poco de su argumento, pero lo mejor es acudir a las salas sabiendo lo menos posible de ella, para disfrutar de ella al igual que otros títulos de su director, como las excelentes "Los Cronocrímenes" o "Extraterrestre".

                                                                              Foto: Sensacine.com

Llega de Noche (7 de julio)
La cinta dirigida por Trey Edwards Shults promete ser la más terrorífica del verano. Después de ver su trailer, queda claro que el espectador va a llevarse muchos sobresaltos. Protagonizada por Joel Edgerton, "Llega de Noche" ha sido aclamada por la crítica, por lo que habrá que esperar poco para comprobar si realmente está a la altura.
                                                 Foto: Aullidos.com

La Seducción (18 de agosto)
Sofía Coppola fue la ganadora en el Festival de Cannes a Mejor Directora con un film que cuenta con Colin Farrell, Elle Fanning, Kirsten Dunst y Nicole Kidman.
                                                  Foto: Cinemania.es

120 BPM (29 de septiembre)
Este film relata los años de lucha contra el sida a través de la asociación Act Up con una historia de amor entre dos de sus miembros. Dirigida por Robin Campillo, fue alabada por la crítica en el Festival de Cannes.
                                                               Foto: Fotogramas.es

miércoles, 14 de junio de 2017

Crítica de "Pieles": bienvenidos al esperpento

El cine es muy subjetivo. Hay películas que para algunos son obras maestras y, para otros, no son más que un cúmulo de despropósitos. Lo cierto es que ambas parten tienen razón y erran al mismo tiempo.
“Pieles” es un filme que está hecho para generar polémica. Su estética es impactante, a la par que arriesgada y, desde el primer minuto, deja claro que no quiere dejar indiferente a ninguno de sus espectadores.
La ópera prima de Eduardo Casanova cuenta con una premisa muy interesante: el miedo y el rechazo a lo desconocido pero, a la vez, lo genial que es ser diferente. No todas las historias que se presentan en la cinta cuentan con el mismo interés, pero su idea inicial se va diluyendo con situaciones disparatadas y que sacan absolutamente de contexto.
Su estética rosa y morada chirría y acaba resultando excesiva e innecesaria. Escenas como la protagonizada por Carmen Machi quieren quitar importancia al tema tan dramático que tratan, pero en ocasiones roza el ridículo.
Foto: fotogramas.es

Que “Pieles” no tenga un género en concreto podría ser bastante positivo, pero intentar disfrazar lo trágico en una comedia dantesca con palabras malsonantes.
Pese a que la película pueda agradar o espantar al espectador, está claro que Eduardo Casanova ha arriesgado bastante, y es de aplaudir. Está claro que uno de los propósitos de “Pieles” es generar rechazo, que al público le parezca desagradable contemplar el rostro de Ana Polvorosa o de un irreconocible John Kortajarena.
Por tanto, los objetivos están más que cumplidos. Sin embargo, da la sensación de que se podría haber sacado mucho más partido a una historia que carece de conclusión y que se hace larga pese a durar 77 minutos.

Valoración: 1,5/5
Lo mejor: Un irreconocible Jon Kortajarena y una brillante Macarena Gómez

Lo peor: Si el espectador no logra identificar con ella desde el principio no la disfrutará

miércoles, 15 de marzo de 2017

La Vida de Calabacín: Una joya audiovisual ha venido a vernos

El cine de animación está viviendo unos meses gloriosos. Hace poco más de un mes llegaba a las salas españolas “La Tortuga Roja” (2016), a la que ya se le puede considerar como un clásico de la animación. Ahora tenemos el placer de disfrutar en nuestras pantallas de “La Vida de Calabacín”, un filme que nos vuelve a demostrar, una vez más, que la animación no es solo para niños.

La película cuenta con una fragilidad y con una capacidad excelente de emocionar al espectador. Se nos presenta una historia dura, trágica, cargada de sentimientos y de la más profunda desesperación bajo la mirada de unos niños aparentemente inocentes con una vida cargada de dolor.
La estética de “La Vida de Calabacín” es perfecta, le viene como anillo al dedo a la historia. Los rostros de sus personajes están muy bien conseguidos, puesto que los ojos de Camille, una de las protagonistas, son los de una niña que lo ha visto todo y ha pasado por muchos acontecimientos. A pesar de la tristeza de su argumento, la cinta no busca evadirse en el sensiblerío, sino que explota muy bien sus facetas y logra regalarnos algunas frases cómicas brillantes.
Con una duración de 66 minutos, el filme consigue transmitir multitud de emociones y permite que el público disfrute en cada segundo. “La Vida de Calabacín” es instructiva, te enseña muchas cosas de la vida y consigue remover conciencias.
Pocas veces una película ha conseguido tratar de manera tan brillante temas tan delicados como los abusos y la exclusión social sin caer en lo lacrimógeno y con un componente de realismo deslumbrarte. La animación ha vuelto a demostrar su poder, cada vez menos oculto.

Valoración: 4,5/5
Lo mejor: La síntesis que consigue hacer del dolor y la inocencia.

Lo peor: Que los niños se piensen que es una película para ellos y se escandalicen al verla.

viernes, 24 de febrero de 2017

Moonlight: emoción en estado puro

“Moonlight” se presenta como una historia novedosa que puede recordar en algunos aspectos a “Boyhood” (2014), aunque su argumento no tiene nada que ver, puesto que la película de Barry Jenkins cuenta la construcción de una identidad a través de un drama social en el que se tratan muchos temas que hacen de este film una joya con igualdad de brillantez en todas sus piezas.
La originalidad del film encabezado por Mahershala Ali radica en su forma en la que está contada, en su perfecta ejecución. “Moonlight” es de esos largometrajes que, si no fuese por la fuerza de los Oscars, jamás habría llegado a nuestro país, tal y como pasó con la ópera prima de su director, “Medicine for Melancholy”, inédita en España.
Pese a ser una obra pequeña, con bajo presupuesto y con actores poco conocidos, Barry Jenkins logra hacer una cinta inmensa que sobrepasa la pantalla y que logrará emocionar y hacer sufrir al público. La historia que plantea es bastante dura, pero su director evita caer en el sensiblerío. En su lugar, nos regala una pieza audiovisual con una gran belleza y planteando una historia que no muchas veces se ha visto en el cine.

Se dice que “Moonlight” es una especie de “Boyhood” negro y gay, cuando en realidad es mucho más que eso. Quizá no llegue a la brillantez del drama de Richard Linkater, pero no le hace falta. La película es detalle, pasión, una experiencia emocional única y en la que no te vale de nada saber su argumento, puesto que lo que logra transmitir es mucho mayor de lo que cualquier papel puede impregnar.
Con el paso del tiempo puede convertirse en una obra maestra. Es una pena que surjan pocos largometrajes así. “Moonlight” ha conseguido que se haga muy larga la espera del siguiente proyecto de Barry Jenkins. Quizá, su propuesta minoritaria no le juegue a su favor en los Oscars, pero no importa. El film ha superado con creces todas las expectativas. No dejes que te la cuenten y ve a verla al cine.

Valoración: 4,5/5
Lo mejor: Las brillantes actuaciones y su delicadeza

Lo peor: Que por su dureza solo pueda llegar a un público muy minoritario