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martes, 2 de julio de 2019

Crítica de ‘Los días que vendrán’


Los días que vendrán es la última genialidad de Carlos Marques-Marcet quien vuelve a firmar una obra estupenda como ya hizo en 10.000 km (2014). La cinta cuenta la historia de Vir y Lluis, quienes solo llevan un año saliendo juntos cuando descubren que están embarazados. Durante 9 meses, el espectador seguirá la aventura de la joven pareja y el giro enorme que dará su vida, sus miedos y alegrías.

La película sabe explorar de manera brillante la dificultad de compartir con el otro la experiencia profundamente transformadora de este proceso. Un aspecto positivo de Los días que vendrán es que la protagonista está realmente embarazada y su compañero en la ficción es su pareja real. El film dedica bastante metraje a retratar cómo evoluciona la relación de los personajes, siendo muy interesante descubrir cómo la experiencia del embarazo provoca una ruptura en el entendimiento de sus protagonistas, más allá de su vínculo sentimental.


Foto: filmaffinity.com

Su carga dramática se sigue con gran interés gracias a un efectivo guion cargado de improvisación, una puesta en escena “invisible” que busca plasmar la vida cotidiana e íntima de sus protagonistas.

La ficción resulta tan espontánea y honesta que, a veces, parece que el espectador está viendo un documental. Uno de los puntos fuertes de Los días que vendrán incluye una vieja grabación en VHS con escenas del auténtico embarazo de la madre de la protagonista y su parto. El director se apoya con gran genialidad en esas imágenes para dotar de verdad y de reflexión a su tercera cinta. Una experiencia apasionante, que atrapa y estremece y que, sin duda, tiene todas las papeletas para triunfar en los próximos Premios Goya. Lo que sí es seguro es que se hablará mucho de ella y que se convertirá en una cinta de culto.

Valoración: 4,5/5
Lo mejor: Que nada en ella falla
Lo peor: Que ante tantas propuestas mayoritarias veraniegas pase totalmente desapercibida

martes, 2 de abril de 2019

Crítica de ‘¿Qué te juegas?’


La comedia es, sin duda, la gran triunfadora del cine español. Es el único género capaz de hacer una gran taquilla en nuestro país y atraer al público cuando son, generalmente, los que tienen menor calidad. En medio de este éxito, la debutante Inés de León busca triunfar con ¿Qué te juegas?, protagonizada por Javier Rey, Amaia Salamanca y Leticia Dolera.

El film cuenta la historia de Roberto y Daniela, dos hermanos con una vida lujosa y llena de glamour gracias a la Naviera que heredaron de su padre. Los dos son directores de la empresa, pero con personalidades muy distintas, ya que Daniela es muy perfeccionista y Roberto es un visionario que odia la actitud de su hermana. Sin embargo, todo cambia cuando ambos se enamoran de la misma mujer, Isabel, una joven monologuista contratada por Roberto para que seduzca a su hermana con la intención de que vuelva a ser tan divertida como era antes.

Foto: filmaffinity.com

La cinta es bastante divertida y funciona muy bien gracias a la complicidad que hay entre su trío protagonista. Sin embargo, su principal logro es que se trata de una de las primeras películas cómicas españolas en el que personas de distinto sexo luchan por conquistar a una misma persona, por lo que sabe adaptarse a los nuevos tiempos.

¿Qué te juegas? tiene todos los elementos para funcionar: cuenta con un buen reparto, un guion con toques modernos y una trama que va ganando en interés ya que, en un principio, parece ser la típica comedia romántica pero, al final, se va transformando en un producto diferente que no se parece en casi nada al resto de cintas del género estrenadas anteriormente. Un soplo de aire fresco que el cine español necesitaba.

Valoración: 3/5

Lo mejor: La estupenda conexión que se establece entre sus protagonistas

Lo peor: Abusa de ciertos clichés

martes, 26 de marzo de 2019

‘Dolor y gloria’, vuelve el mejor Almodóvar


Después de emocionarnos y de ponernos a todos los pelos de punta en 2016 con Julieta, un drama perfectamente ejecutado y que nos regaló unas interpretaciones fabulosas de Emma Suárez y Adriana Ugarte, Pedro Almodóvar vuelve con Dolor y gloria, la cual también escribe y que, como es habitual, cuenta con la música de Alberto Iglesias. Lo que no es común es que, por primera vez, la encargada de la distribución de una película de Almodóvar no es Warner Bros, sino Sony Pictures, algo insólito. En la productora no hay ningún tipo de cambios, ya que está producida por El Deseo.

Con Dolor y Gloria, Almodóvar vuelve a sumergirse en el drama para narrar una serie de reencuentros, algunos físicos y otros recordados después de décadas. Los primeros y segundos amores, la mortalidad, un actor con el que el director trabajó, los sesenta, los ochenta, la actualidad y el vacío. La cinta busca hablar de la creación, tanto cinematográfica como teatral, y la dificultad de separar la creación de la propia vida.

Por primera vez, el director trabaja con Asier Etxeandia, quien está sensacional en su papel y, después de verlo en él, nos preguntamos cómo no han trabajado antes juntos y hace que pensemos que se puede convertir en el nuevo chico Almodóvar.

Foto: filmaffinity.com

Al contrario que Julieta, Dolor y Gloria es un largometraje donde los personajes masculinos tienen gran importancia, aunque también el director otorga a Penélope Cruz y a Julieta Serrano dos personajes secundarios esenciales, además de contar con otros intérpretes como Nora Navas, Leonardo Sbaraglia, Carmelo Gómez, Kiti Manver, Neus Alborch, Raúl Arévalo y el debut de la cantante Rosalía. Este es, sin duda, el proyecto más personal del cineasta manchego, donde uno de sus personajes (el interpretado por Antonio Banderas) es un director de cine, llamado Salvador Mallo, y en el que juega al alter ego.

En el film, este personaje recuerda a las personas y momentos que han marcado su vida, tanto artística como personalmente. Dolor y gloria es un viaje a las emociones, una película densa y emocionante que invita a que el espectador reflexione. Por esto, no es una obra dirigida a todo tipo de público, ya que se necesita una implicación activa del espectador, ya que Almodóvar, como siempre hace, no te lo da todo mascado, sino que invita a que cada uno mire más allá y saque sus propias conclusiones.

Dolor y gloria se rodó durante cuarenta y cuatro días en la Comunidad Valenciana, entre Valencia y Paterna, un film donde sus paisajes y su estética también son esenciales. En algunos momentos, Almodóvar se pasa de reflexivo y de profundo. Quiere contar tantas cosas que puede acabar saturando y provocando que no funcione tan bien como se esperaba. Aun así, se agradece que el director manchego haya decidido experimentar y no se haya quedado estancado en lo fácil, sino que haya explorado y ofrezca cosas que nunca antes se había atrevido a representar.

Un elemento para aplaudir de Dolor y gloria es que, Almodóvar decide alejarse del intimismo femenino de Julieta y de la mayoría de sus films para probar suerte, como en La mala educación, con otra historia de hombres aunque, a diferencia de esta, donde la mayor parte del reparto (encabezado por Gael García Bernal, Lluís Homar, Fele Martínez y Javier Cámara) eran hombres, aquí también cuenta con sus actrices fetiches. Todos los intérpretes que aparecen en el largometraje están elegidos minuciosamente. Parece como si el papel hubiera sido escrito solo para que ellos lo interpretaran, con un Antonio Banderas en uno de sus mejores papeles, y es que Almodóvar parece que sabe sacar lo mejor del malagueño (como ya hizo con La piel que habito).


Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Todas sus actuaciones y que Almodóvar no tenga miedo al riesgo

Lo peor: En muchas escenas es demasiado densa y juega a ser demasiado poco escueta

martes, 22 de enero de 2019

Crítica de 'Gente que viene y ¡Bah!'


En 2016, María Ripoll se encargó de llevar a la gran pantalla la novela de Laura Norton No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas. Esta adaptación, protagonizada por Verónica Echegui, no tuvo gran éxito y, además, fue criticada por su falta de ritmo y su monotonía. Tres años más tarde y, con un poco más de suerte, Patricia Font es la encargada de llevar a cabo otra adaptación de Norton, en este caso Gente que viene y ¡Bah!

La película cuenta la historia de una joven arquitecta quien, tras descubrir el engaño de su prometido y sin saber qué hacer con su vida, decide volver a su pueblo natal y reencontrarse con su familia. Allí tendrá que aprender a convivir con sus tres hermanos y su extravagante madre.

Foto: filmaffinity.com

Desde la primera escena, es fácil intuir ante qué tipo de largometraje estamos. Gente que viene y ¡Bah! es el tipo de obra previsible que todo el mundo sabe cómo se va a desarrollar y cómo va a terminar. En ella no hay lugar para sorpresa y el interés queda perdido ya que no hay ningún misterio ante lo que va a suceder.

Lo que funciona de la cinta de Patricia Font es que transmite un buen rollo que contagia y que hace que, pese a que el espectador sepa qué es lo que va a pasar, tenga curiosidad por seguir mirando. A diferencia de No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas, Gente que viene y ¡Bah! sabe lo que es el entretenimiento, explotándolo a través de situaciones tan absurdas y divertidas como la protagonizada por Paula Malia, así como ciertas dosis de realismo con Irene, el personaje que interpreta la siempre estupenda Alexandra Jiménez.

En sus interpretaciones vemos ciertas irregularidades. Mientras que Alexandra Jiménez, Carmen Maura, Carlos Cuevas y Álex García están muy bien en sus papeles (este último se va a hacer un experto en las adaptaciones de Laura Norton), Clara Lago está más floja de lo que nos tiene acostumbrados, dando la sensación de que está sobreactuada en gran parte de su metraje.

Si buscas una peli con la que pasártelo bien y desconectar de todo durante una hora y media, Gente que viene y ¡Bah! es la cinta que estabas esperando. No es ninguna obra maestra, pero sabe entretener y jugar con los elementos que tiene.


Valoración: 2,5/5

Lo mejor: El buen rollo que transmite

Lo peor: Una Clara Lago muy sobreactuada y una trama donde se echa en falta algún elemento de sorpresa

martes, 4 de septiembre de 2018

Crítica de 'Yucatán': Daniel Monzón se pasa a la comedia


Daniel Monzón, el reconocido director de ‘Celda 211’ o ‘El niño’, ha decidido innovar esta vez y cambiar completamente de registro, del drama más profundo a una comedia bastante inteligente. Eso sí, se rodea de Luis Tosar, su actor fetiche y que tantas alegrías le ha dado.

Un crucero de lujo, dos estafadores profesionales y un desastre amoroso. Lucas y Clayderman se dedican a engañar a los turistas de los ostentos cruceros internacionales. Sin embargo, la rivalidad por el amor de Verónica hará que desate la locura entre ambos y decidan separarse. Esta es la premisa de ‘Yucatán’, una película bastante peculiar y con la que el espectador disfrutará.

Foto: sensacine.com

El largometraje es bastante particular y no es una comedia al uso. No esperes una cinta súper divertida ni convencional, eso hay que tenerlo claro. Sin embargo, esto es lo que lo convierte en un producto de calidad, ya que es un proyecto planteado de una forma que pocas veces hemos visto.

Pese a ser algo lenta en su desarrollo y que hay algunas cosas que no acaban de encajar (momentos fallidos de comedia romántica o demasiadas escenas de acción), el espectador pasará momentos muy divertidos y fascinantes, con un Luis Tosar magnífico como siempre (y que ya se postula como uno de los favoritos a ganar el Goya a mejor interpretación masculina, y un Rodrigo de la Serna que no se queda atrás y que también proporciona una actuación bastante completa. La que falla un poco en este casting es Toni Acosta, a la que se la ve demasiado exagerada con un papel con el que no termina de encajar.

‘Yucatán’, el producto español con más calidad del verano, cumple muy bien con sus objetivos, aunque habrá que ver si funciona en una época en la que el público quiere el típico producto televisivo con el que se ría a carcajadas, no una comedia con la que se pretenda ir más allá.


Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Es mucho más compleja de lo que parece

Lo peor: Cierta descompensación en el interés de sus tramas y la calidad interpretativa de sus actores

sábado, 28 de abril de 2018

Crítica de Las Leyes de la Termodinámica: una comedia diferente


Después de impresionarnos en el terreno de la ciencia ficción con la infravalorada “Proyecto Lázaro”, Mateo Gil vuelve para presentarnos una comedia romántica que, sin duda, está planteada de una manera muy diferente a lo que el espectador está acostumbrado a ver en este género.

“Las Leyes de la Termodinámica” cuenta la historia de Manel, un físico algo neurótico que piensa que las relaciones de pareja no solo se rigen por las leyes de la naturaleza. Un día se cruzará en su camino Elena, una atractiva actriz de la que se enamorará perdidamente. Cuando se acabe su relación, Manel intentará explicar a través de las leyes de la física cómo él no es el único responsable de este fracaso amoroso.

Foto: Fotogramas.es

El filme es muy disparatado y tiene momentos realmente divertidos. Vito Sanz está muy bien en la composición de su personaje, aportando momentos muy cómicos y con una alta carga humorística. El guion consigue atrapar desde el primer momento. Sin embargo, a medida que va avanzando el metraje, el espectador se dará cuenta de que la historia no avanza y toda esa originalidad que se observa al principio se convertirá en monótona y aburrida.

Hay algo que falla en “Las Leyes de la Termodinámica”, un trabajo que podría haber sido perfecto pero que, por desgracia, no lo es. Su principal problema es la falta de ritmo y la poca capacidad de sorpresa que tiene en el espectador más allá de la originalidad de su propuesta. Todos sus actores están realmente bien, destacando el trabajo de Vito Sanz y de Chino Darín, pero una premisa original no es suficiente para captar la atención del espectador en 100 minutos de metraje, lo que hace que se acabe convirtiendo en otra comedia española del montón.

Valoración: 2,5/5
Lo mejor: Su propuesta original y las interpretaciones de Vito Sanz y de Chino Darín
Lo peor: La decadencia que va sufriendo el filme a medida que pasan los minutos

sábado, 10 de febrero de 2018

Crítica de "El cuaderno de Sara"

Hacer filmes de intriga y secuestros es algo que se está convirtiendo en demasiado habitual para el cine español. En los últimos años nos han llegado gran cantidad de filmes de este estilo. El más reciente a sumarse a esta lista es “El cuaderno de Sara”, film dirigido por Norberto López Amado, responsable de series como “El accidente” y “Mar de plástico”.

Se nota el afán de Norberto por las historias enrevesadas y de giros inesperados. “El cuaderno de Sara” es una película entretenida sin más, con una historia que parece más de un telefilme que de una cinta llevada a la gran pantalla.


Foto: Fotogramas.es


El largometraje cuenta la historia de Laura, quien busca desde hace años a su hermana Sara, desaparecida en la selva del Congo. Un día aparece una foto de un poblado minero del Este del Congo con la imagen borrosa de Sara. Laura no lo duda un segundo y decide ir a Kinshasa adentrándose en el territorio de los Señores de la Guerra, sin saber que con esta aventura descubrirá un mundo oscuro que jamás se había planteado.

La historia en sí es interesante. El problema es el cúmulo de casualidades que ocurren en ella. Todo está cogido con pinzas para que suceda, lo que hace que sea poco creíble y que su público no se meta en la historia tanto como debería.

Por la forma en la que está rodada, por sus secuencias y por la manera en la que se cuenta la historia, parece que estamos viendo una de esas series de intriga españolas que son tan frecuentes en la actualidad y que tan bien funcionan. Un producto que busca ser uno de los thriller españoles del año y ser un éxito de taquilla, pero nada más.


Valoración: 2,5/5

Lo mejor: Una historia entretenida con un buen reparto en el que sobresale Marian Álvarez


Lo peor: Se parece tanto a muchas series españolas que su factor sorpresa es cero

sábado, 16 de diciembre de 2017

Crítica de "Perfectos Desconocidos"

La privacidad no está muerta. Está más que enterrada, aniquilada. Ya uno no se puede mostrar tal y como es por miedo a que alguien lo esté escuchando o no dice ciertas cosas por el móvil por miedo a que alguien lea sus mensajes. Es triste, pero es lo que está ocurriendo.
Planteado a modo de comedia dramática, “Perfectos Desconocidos”, remake de una película italiana estrenada en 2016 con el mismo título, hace que el espectador se vea reflejado en ella y que se ponga en la piel de los protagonistas, ya que es algo que podría suceder perfectamente cualquier día en una comida familiar o con amigos.
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Foto: Fotogramas.es
El filme cuenta la historia de un grupo de amigos que se reúne a cenar a casa de una de las parejas. Todo va normal hasta que plantean un juego, que consiste en dejar sus teléfonos móviles encima de la mesa para que todos tengan acceso a los mensajes y llamadas que reciban a lo largo de la noche.
Solo por el argumento, ya apetece verla. Aunque uno ya sabe cuál es la dinámica que va a seguir la cinta, es bastante interesante y se vuelve inesperada en su tramo final. Mantiene siempre un clímax de tensión por saber qué es lo siguiente que va a ocurrir y cómo van a ir cambiando los personajes.
A pesar de breves tropiezos como el de “Mi gran noche”, Álex de la Iglesia confirma estar en un momento pletórico. Después de volver a su esencia con la notable “El Bar”, con “Perfectos Desconocidos” logra un digno remake, muy interesante y con una propuesta muy diferente a la que nos tiene acostumbrados el director vasco.
Valoración: 4/5
Lo mejor: La intriga que genera en el espectador, deseoso por saber cómo acabará todo
Lo peor: No todos sus actores están al mismo nivel

sábado, 18 de noviembre de 2017

Musa demuestra que el cine de terror español vive su mejor momento

El cine de terror español está pasando por un momento glorioso, y ya va siendo hora de que se le tome más en serio. Después de que Paco Plaza lograse una estupenda Verónica, uno de los mejores filmes españoles de lo que llevamos del año, Jaume Balagueró, el creador de Rec junto a Plaza, nos presenta un relato sobrenatural que mantendrá la tensión del espectador en todo momento.

“Musa” cuenta la historia del profesor Samuel Solomon, quien tiene una recurrente pesadilla en la que una mujer es asesinada. Esta misma mujer es encontrada muerta en idénticas circunstancias a las que tenían lugar en sus sueños. Él, junto a Rachel, otra chica que también ha soñado con el mismo asesinato, se sumerge en un mundo tenebroso para intentar descubrir la verdad sobre los hechos que han sucedido.

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Foto: Sensacine.com

La cinta mantiene en tensión en todo momento, y hará que el espectador lo pase realmente mal. Jaume Balagueró juega con un ambiente tenebroso y de misterio con tintes de terror psicológico que tan bien le funcionó en “Mientras Duermes” (2011) y que repite con éxito, demostrando sus dosis de talento.

“Musa” es impredecible, y no permite que el espectador juegue con ventaja y pueda adivinar lo que va a suceder, ya que no hay lugar para ello. Sus escenas dejarán perplejos y la tensión aumenta por segundos. Puede que no estemos ante lo que hoy en día muchos consideran una obra de terror. No esperes sobresaltos porque, probablemente, no los encontrarás, pero sí que serás partícipe de un juego maquiavélico totalmente recomendable para aquellos que amen el thriller psicológico y les guste salir de la sala inquietos y con multitud de planteamientos.


Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Su buena producción y el mal rollo que transmite

Lo peor: Que el espectador espere solo una historia de brujas y espíritus


sábado, 4 de noviembre de 2017

El secreto de Marrowbone: ¿Dónde habíamos visto esto antes?

El cine español es cada vez más propenso a hacer filmes de misterios, de terror y de thriller psicológico para atrapar al espectador y que se quede enganchado con todo lo que ocurre a su alrededor. Lo malo de este género es que parece que cada vez cuesta más innovar, y se tiende a colocar los mismos elementos una y otra vez.

Algo muy parecido ocurre en "El secreto de Marrowbone", que se nota que tiene el sello de Sergio G. Sánchez por partida doble: firma el guion y se estrena bajo la dirección. La película se presenta como lo que es: un thriller con elementos de terror protagonizada por niños, una casa grande y fantasmas.

Con solo ver el argumento, el espectador tiene la certeza de que va a ver algo que ya conoce de antes, pero siempre existe algún ápice de esperanza en que puede ocurrir algo distinto y que se nos haya escapado al visionar el tráiler. Desgraciadamente, esto no ocurre.

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Foto: Sensacine.com

La estética del filme es espectacular y su producción está cuidada de manera soberbia, pero es una cinta que llega, por lo menos, veinte años tarde. Después de haber visto ciertas cosas, como “Los Otros”, del maestro Amenábar, tenemos poca capacidad de sorpresa, y necesitamos proyectos ambiciosos, que nos saquen de nuestras casillas y que el público salga de la sala asombrado y sin capaz de comprender lo que acaba de ver.

Pese a esto, la película agradará a los fans del thriller psicológico (no tanto a aquellos que les encantan las historias de terror). No obstante, si descubres antes de tiempo que es lo que realmente pretende contar su director, puede que te sientas decepcionado y que tan elaborado misterio se desvanezca antes de tiempo.

Valoración: 2,5/5

Lo mejor: Una producción muy cuidada y que sabe meter al espectador en la época en la que acontece

Lo peor: En los años 90 hubiera sido una revolución pero, después de “Los Otros”, pocas cosan sorprenden

sábado, 7 de octubre de 2017

La Llamada: Una locura musical realmente divertida

“La Llamada” es una cinta que sabes que va a despertar todo tipo de controversias. Es polémica, gamberra y se ríe de algo que pocas personas se han atrevido a tocar de una manera tan espontánea y loca. Después de la sobresaliente “Paquita Salas”, había pocas dudas de si el salto a la gran pantalla de los Javis iba a ser exitoso o no.

La película cuenta la historia de María y Susana, dos jóvenes que pasan el verano en el campamento de monjas “La Brújula”. Ambas se escapan de noche como buenas amantes de la fiesta y el electrolatino y, un día, a María se le aparece Dios, que buscará cautivarla cantándole canciones de Whitney Houston.  Con solo escuchar su argumento, se sabe que estamos ante algo novedoso y que viene dispuesta a revolucionar.

                                      Foto: Fotogramas.es

El filme es todo un disfrute desde su primer fotograma al último. Respeta totalmente la esencia de la obra de teatro, alcanzando momentos brillantes y llegando, en ocasiones, a superarla. Para su pleno disfrute, es mejor no tomársela en serio, sino dejarse llevar y disfrutar por algo que pocas veces se había atrevido a hacer el panorama cinematográfico.

Javier Calvo y Javier Ambrossi se coronan, una vez más, como unos directores magníficos y con unas ideas desbordantes que se merece, como mínimo, una nominación al Goya para Mejor Dirección Novel.

No solo sobresale en “La Llamada” su espectacular dirección y guion, sino que sus actrices son sublimes, destacando el trabajo de Macarena García y Anna Castillo. En cierta manera, ellas son las encargadas de que el filme no decaiga y de brindarnos un tremendo espectáculo audiovisual desde el primer minuto hasta el último.

Valoración: 4/5
Lo mejor: Su perfecta combinación y su brutal puesta en escena

Lo peor: A mucha gente le puede parecer excesiva y que peca de extravagante

sábado, 9 de septiembre de 2017

Crítica de Tadeo Jones 2, en busca de la gracia perdida

Tadeo Jones fue un personaje creado por Enrique Gato en 2001. Este personaje bebe de multitud de referencias, siendo una mezcla entre Tadeo Jones y Súperlopez. Su primera aventura se convirtió en el cortometraje más premiado de la historia de España. Sus pocos minutos de metraje eran bastante divertidos, y era de agradecer un producto tan original.

Con su salto al largometraje en 2012, Enrique Gato demostró que era una persona con mayor vocación por los cortos. Las Aventuras de Tadeo Jones no tenía mucha gracia, perdiendo toda la esencia de sus cortometrajes originales y llegando a aburrir en la mayor parte de su metraje.

                            Foto: ecartelera.com

Con Tadeo Jones 2 pasa algo similar, solo que al ver algo regular por segunda vez hace que el espectador tenga la sensación de que este producto es más malo que el anterior. Al igual que hizo en "Atrapa la Bandera", Gato intenta compensar la poca fuerza de sus personajes protagonistas metiendo a un montón de secundarios que ejercen de roba planos a base de hacer bromas sobre todo lo que ocurre en escena.Mientras que en los otros dos filmes funcionaba y cumplía su propósito, en Tadeo Jones 2 cae por su propio peso.

Pese a que Tadeo Jones 2 divertirá a los más pequeños de la casa, no es un producto pensado para los mayores de 10 años. Carece de originalidad, y su argumento es mínimo. No aporta nada diferente y los personajes nuevos que aparecen no tienen carisma, mientras que los antiguos no avanzan en sus tramas.

Con Tadeo Jones 2 vuelve a quedar claro que la animación es la asignatura pendiente del cine español. Salvo algunas obras notables, el mundo animado debe mejorar en España, y con Tadeo Jones no lo ha conseguido.


Valoración: 2/5

Lo mejor: Tiene momentos muy divertidos y con ritmo

Lo peor: Su desmesurado uso de clichés y que no aporta nada nuevo a la historia

sábado, 5 de agosto de 2017

Abracadabra, una película que te dejará hipnotizado

Se ha hecho esperar, pero por fin ha llegado el día. En 2012, el director vasco Pablo Berger dirigió "Blancanieves", que se podría considerar todo un clásico en el cine moderno español y que logró emocionar a todos. Cinco años después vuelve con "Abracadabra", una comedia con tintes de suspense y ficción que cuenta con elementos espléndidos.

La cinta, protagonizada por Maribel Verdú, Antonio de la Torre y José Mota, cuenta la historia de Carmen, quien disfruta de una vida tranquila con Carlos, que tiene problemas con el primo de su mujer, que dedica su tiempo libre al hipnotismo. Cuando este hipnotista realiza uno de sus shows durante una boda, Carlos hace todo lo posible para arruinar el espectáculo. Para vengarse, Pepe decide hipnotizar al marido de Carmen. 

Imagen destacada
                                                 Foto: Elseptimoarte.net

Con el argumento, podemos afirmar que estamos ante una comedia absurda, pero que funciona muy bien en cada una de sus partes. Es fresca, innovadora y cuenta con unas interpretaciones magistrales, destacando el trabajo que realiza Antonio de la Torre.
"Abracadabra" cuenta con un humor poco convencional en el cine español, al que probablemente no estamos acostumbrados, pero es aquí donde radica su éxito. Es una comedia de la vieja escuela con situaciones bastantes innovadoras. Los personajes se mueven en un ambiente que denosta misterio, miedo y otra multitud de sensaciones. 

Este trabajo no tiene nada que ver con "Blancanieves" en cuanto a su argumento se refiere, pero sí sabe captar su esencia artística y su capacidad de sorpresa. Pablo Berger se reafirma, una vez más, como uno de los directores más completos del cine español, que cuenta con una sorprendente imaginación y con grandes ideas, y demuestra que sabe plasmarlas de manera magistral en la gran pantalla. 

Valoración: 4/5

Lo mejor: Es una película hecha para disfrutar y su estética y las magníficas interpretaciones logran que el espectador se meta por completo en la película

Lo peor: Tanta originalidad e idea nueva puede chirriar a cierta parte de su público


sábado, 15 de julio de 2017

Crítica de Colossal: Monstruosa y brillante

Si te gustan las películas lógicas, con un orden narrativo correcto y sencillas, lo pasarás realmente mal viendo “Colossal”. Sin embargo, si la imaginativa narrativa es lo tuyo, el nuevo trabajo del director español Nacho Vigalondo, cuya anterior cinta fue “Open Windows” (2014), será una delicia para todos tus sentidos.
El filme cuenta con un argumento absurdo que es una mezcla entre el cine de ciencia ficción, el drama y la comedia más alocada. “Colossal” es el trabajo más redondo del director.
La cinta cuenta la historia de Gloria, interpretada de manera bastante correcta por Anne Hathaway, una chica con problemas con la bebida, cuyo novio rompe con ella. Enseguida, es acogida por Oscar (Jason Sudeikis), un amigo suyo de toda la vida.

                                                   Foto: Sensacine.com

“Colossal” explora un mundo fantástico. Nacho Vigalondo es, en parte, el Tim Burton español, solo que con mucha más imaginativa y con películas mucho más redondas que las del director estadounidense. Cuenta con un discurso personal bastante brillante que hará reflexionar a todo el espectador, y lo mejor de todo es que todo lo trata de una manera que parece bastante sencilla, cuando la realidad es bien distinta.
En cuanto a estética se refiere, la cinta es brutal. Desde que el monstruo irrumpe, el espectador se quedará fascinado con tanta belleza. Pese a que es algo irregular, ya que su segunda parte es bastante superior a la primera, la capacidad de sorpresa es bastante grande.
Vigalondo elabora un discurso en torno a la falta de control que es admirable, más propia de un filósofo que de un director de cine. “Colossal” hace algo fantástico que es que, guste o no guste, el espectador se quedará marcado y reflexionará un buen rato sobre las temáticas tan sorprendentes que ha tratado esta joyita audiovisual.

Valoración: 4,5/5
Lo mejor: La moraleja que esconde y la manera de tratar cada uno de los temas que explota.

Lo peor: Tiene partes que son bastante superiores a otras.

miércoles, 14 de junio de 2017

Crítica de "Pieles": bienvenidos al esperpento

El cine es muy subjetivo. Hay películas que para algunos son obras maestras y, para otros, no son más que un cúmulo de despropósitos. Lo cierto es que ambas parten tienen razón y erran al mismo tiempo.
“Pieles” es un filme que está hecho para generar polémica. Su estética es impactante, a la par que arriesgada y, desde el primer minuto, deja claro que no quiere dejar indiferente a ninguno de sus espectadores.
La ópera prima de Eduardo Casanova cuenta con una premisa muy interesante: el miedo y el rechazo a lo desconocido pero, a la vez, lo genial que es ser diferente. No todas las historias que se presentan en la cinta cuentan con el mismo interés, pero su idea inicial se va diluyendo con situaciones disparatadas y que sacan absolutamente de contexto.
Su estética rosa y morada chirría y acaba resultando excesiva e innecesaria. Escenas como la protagonizada por Carmen Machi quieren quitar importancia al tema tan dramático que tratan, pero en ocasiones roza el ridículo.
Foto: fotogramas.es

Que “Pieles” no tenga un género en concreto podría ser bastante positivo, pero intentar disfrazar lo trágico en una comedia dantesca con palabras malsonantes.
Pese a que la película pueda agradar o espantar al espectador, está claro que Eduardo Casanova ha arriesgado bastante, y es de aplaudir. Está claro que uno de los propósitos de “Pieles” es generar rechazo, que al público le parezca desagradable contemplar el rostro de Ana Polvorosa o de un irreconocible John Kortajarena.
Por tanto, los objetivos están más que cumplidos. Sin embargo, da la sensación de que se podría haber sacado mucho más partido a una historia que carece de conclusión y que se hace larga pese a durar 77 minutos.

Valoración: 1,5/5
Lo mejor: Un irreconocible Jon Kortajarena y una brillante Macarena Gómez

Lo peor: Si el espectador no logra identificar con ella desde el principio no la disfrutará

miércoles, 22 de marzo de 2017

Crítica de "El Guardián Invisible"

Fernando Gómez Molina es sinónimo de éxitos en taquilla y de adaptar bestsellers. Después de la superproducción “Palmeras en la Nieve” (2015), el director nos presenta su obra más compleja y la mejor resuelta de todas.
Cómodo en el terreno de las adaptaciones literarias, “El Guardián Invisible” posee un alma de la que carecían sus otras películas. El guion de la cinta engancha y su resolución logra estar a la altura del resto del metraje.

El film logra captar la esencia mitológica y sobrenatural de la novela. Hace que el espectador se enganche durante los 127 del largometraje y que no quiera despegar en ningún momento sus ojos de la pantalla.
Otro acierto de “El Guardián Invisible” es su elenco, desde el primero hasta el último. Marta Etura interpreta magistralmente el papel de Amaia Salazar con una mezcla entre fragilidad y fortaleza. Mención aparte para los actores de reparto, especialmente para Manolo Solo y Elvira Mínguez, quienes aportan emoción a sus personajes.
El guion de “El Guardián Invisible” es quizá lo que reste calidad a la película. Pese a que engancha, cuenta con muchos momentos de confusión debido a la gran cantidad de personajes y situaciones que se dan. Su fondo sobrenatural y oscuro puede no ser agrado de todo el mundo, tratándose de una cinta menos comercial que las anteriores que ha hecho Fernando González Molina.
Su conjunto final es un film original, cargado de grandes actuaciones y con emoción a flor de pie. Además, cuenta con momentos brillantes, como el flashback sobre la infancia de la protagonista. Sin duda alguna, la producción de Atresmedia tiene todo lo necesario para convertirse en uno de los largometrajes españoles más exitosos del año.

Valoración: 3,5/5
Lo mejor: Sus interpretaciones y el flashback sobre la infancia que tuvo la protagonista.

Lo peor: Algunas situaciones son poco creíbles y necesitan transmitir más emoción.