‘Spider-Man: Lejos de casa’, mismas dosis de comedia y acción

En 17 años hemos tenido cuatro Spider-Man (tres en carne y hueso y uno animado). La mejor sigue siendo, sin lugar a dudas, la dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire. Después vino la encabezada por Andrew Garfield, la que peor ha funcionado tanto en crítica como en taquilla al no encontrar su identidad. En 2017, llegó Spider-Man Homecoming, dirigida por Jon Watts y protagonizada por Tom Holland. En esta ocasión, la acción casi desapareció para presentarnos un film de comedia con un Spider-Man mucho más joven de lo que estamos acostumbrados.

Dos años después, Jon Watts vuelve a ponerse frente a la dirección para contarnos una nueva historia de nuestro hombre araña favorito. En esta  ocasión, Peter Parker decide irse junto a MJ, Ned y el resto de sus amigos a pasar unas vacaciones por Europa. Sin embargo, el plan de Parker por dejar de lado sus superpoderes durante unas semanas se ven truncados cuando Nick Fury contacta con él para solicitarle ayuda y así frenar el ataque de unas criaturas elementales que están causando el caos en el continente. En ese momento, Parker volverá a ponerse el traje de Spider-Man para cumplir con su labor.

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En Spider-Man: Lejos de casa, Watts conserva el espíritu de la anterior entrega. De nuevo, la búsqueda constante del gag priva a los personajes de capacidad para la empatía. Peter Parker ha dejado de ser un héroe para ser un chaval encantador, pero lo que le sucede no nos importa demasiado.

Es una propuesta que no añade prácticamente nada y sin ninguna escena que sobrepase los límites de lo ya visto. Sin embargo, se agradece que, en esta ocasión, se haya apostado más por la acción. En Spider-Man Homecoming las escenas de comedia eran mucho más frecuentes a las de acción y, en Lejos de casa, han sabido aportar más escenas de adrenalina, aunque siguen sobrando unas partes cómicas demasiado largas, como las protagonizadas por el personaje de Jacob Batalon, el mejor amigo de Spider-Man que, pese a estar insertadas para hacer gracia, lo único que hacen es sacar de contexto al espectador, provocando que resulte frustrante y que le quite toda la emoción.

En esta secuela se agradece que el espectador tenga más oportunidad de conocer a personajes como el de Zendaya. Si en la primera parte solo se centraba en Spider-Man, aquí todo está más concentrado para que el público pueda saber más acerca de quienes rodean a nuestro héroe. También, ha sido un acierto el incorporar el personaje de Jake Gyllenhaal, quien aporta las grandes dosis de acción al film, así como eliminar a Iron Man (era obvio después de lo ocurrido en Vengadores: Endgame), que lo único que hizo en la anterior entrega fue robar escenas a Spider-Man, el verdadero protagonista de esta función.

Watts acierta con esta segunda parte donde da carta blanca a un juvenil, divertido, entregado y desacomplejado Peter Parker para que birle todo un señor blockbuster superheroico y lo conduzca por carreteras de luminosa complicidad. Una película que se eleva porque Holland le otorga alas. Spider-Man: lejos de casa, arranca desinhibida, dulce y ligera y parece como una especie de pequeño milagro de una Marvel que demostró ser demasiado densa con Vengadores: EndGame. Por todo ello, el resultado es un Spider-Man que resulta un poco más impactante que el anterior que vimos, excitante y con un reparto que funciona muy bien y que da a (casi) todos el protagonismo que merecen.

Valoración: 3/5

Lo mejor: La frescura que Tom Holland aporta al personaje

Lo peor: Que los puntos de comedia que intentan aportar con el personaje de Jacob Batalon sean insulsos y resten dinamismo al film

‘La última locura de Claire Darling’: Un motivo para creer en la comedia francesa

Los franceses se caracterizan, entre otras cosas, por hacer buen cine. Sin embargo, no tienen fama de poseer sentido del humor, y eso se nota en la mayoría de sus largometrajes de comedia. Intentan hacerse los graciosos pero, en lugar de conseguirlo, producen muchas veces vergüenza ajena, tal y como ha ocurrido con cintas como Bienvenidos al Norte o Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? Sin embargo, siempre hay excepciones, largometrajes que parecen romper con esta maldición y que lanzan esperanzas al género, como es el caso de La última locura de Claire Darling.

La cinta, dirigida por Julie Bertucelli, encargada de Desde que Otar se marchó (2003) y El árbol (2010), ambas enmarcadas en el género dramático, se atreve ahora en La última locura de Claire Darling apostar por la comedia. Para ello, se vale de Catherine Deneuve, sin duda una de las mejores actrices del panorama cinematográfico francés.

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La película, que supone la adaptación de la novela estadounidense Faith Bass Darling´s Last Garage Sale, de Lynda Rutledge, se desarrolla en Verderonne, pequeño pueblo de Oise, cerca de París, donde es el primer día del verano y Claire Darling se despierta convencida de que es su último día con vida. Es por esto por lo que decide vaciar su casa y hacer un mercadillo. Estos objetos tan amados reflejan lo que ha sido una vida trágica y resplandeciente. Esta última locura de Claire provocará el regreso de su hija Marie, a quien no veía desde hacía 20 años.

En pantalla hay presencias que quedan muy por encima de sus personajes o la identidad de sus actores o actrices. Esto es lo que vemos en Catherine Deneuve. La actriz deambula en el film por una mansión familiar deshabitada salvo por las motas de polvo, infinidad de cachivaches relojeros y una tonelada de recuerdos amontonados en cada rincón.

Otro de los grandes aciertos de La última locura de Claire Darling es el trabajo de la directora de fotografía Irina Lubtchansky quien, con un cambio de luz, hace convivir en el mismo plano el tiempo presente, remembranzas y anhelos del porvenir. Los personajes se relacionan por medio de los objetos (un anillo, un reloj, una pintura, unos autómatas), el pasado y el presente se confunden en sus cabezas e, incluso, hacen acto de presencia física fantasmas del pasado. Bertuccelli mantiene el toque animista y el interés por las relaciones familiares presentes en su anterior trabajo, El árbol.

El realismo mágico es un buen recurso para endulzar historias trágicas, algo en lo que Julie Bertuccelli recurre en esta obra. La propuesta recuerda a la maravillosa La ventana, aunque con un suave alivio cómico. Estamos ante una de esas películas en las que parece que no pasa nada pero en las que ocurren muchas cosas.

A través de la inspiradora música de Olivier Daviaud, el espectador se meterá en escena y en el clima tan agradable que plantea. En definitiva, en La última locura de Claire Darling, Bertuccelli une a Catherine Deneuve y su hija, Chiara Mastroianni, en una cinta donde la octogenaria Claire Darling decide hacer una venta de todas las cosas que pueblan su enorme casa en la campiña. Su hija, una vieja amiga de ambas y el cura de la localidad, terminan visitando a una mujer que, sin motivo aparente, parece haber perdido la razón al anticipar su final. Una película adorable donde el presente y el pasado conviven de una manera hermosa, tratado a través de una delicadeza exquisita.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Las escenas de los personajes como testigos de su pasado

Lo peor: Un final que no está en consonancia con la armonía que caracteriza al resto del relato

Crítica de ‘Uglydolls: Extremadamente feos’

Las películas que unen animación y música suelen funcionar muy bien. En 2016, Trolls, de la compañía Dreamworks Animation, tuvo bastante éxito y, ahora, Kelly Asbury, responsable de Gnomeo y Julieta y Shrek 2, ofrece Uglydolls: Extremadamente feos, que recuerda a la cinta estrenada en 2016.

Uglydolls: Extremadamente feos se traslada a la ciudad de Uglyville, donde todos los juguetes rechazados viven en armonía, sin importar que su aspecto no sea tan bello como el del resto. Sin embargo, una intrépida peluche llamada Moxy, está dispuesta a cruzar la frontera hasta nuestro mundo, “el mundo más allá” y encontrar al niño perfecto para ella. No obstante, los juguetes escogidos, liderados por el bellísimo Lou, no están dispuestos a permitirlo.

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La cinta cuenta con bastante colorido y, aunque puede crear indigestiones por sobredosis de cursilería, acaba funcionando bastante bien. La historia está acompañada de un bonito subtexto para los más pequeños relacionado sobre el origen de la felicidad, y algunos de los personajes son verdaderamente atractivos.

Después de Shrek 2, Uglydolls: Extremadamente feos es la mejor película de Asbury, ya que tiene un guion que parodia a muchas películas y cuentos clásicos y una ironía que brilla en los diálogos y la banda sonora. Transmite mucho optimismo y es bastante divertida, haciendo que el espectador salga de la sala cantando y bailando, con un gran chute de felicidad.

La película no será ningún hito en cuanto a animación se refiere, ya que es terriblemente tópica, pero su combinación de animación musical y comedia funciona muy bien, al igual que en Trolls. Colorida, entretenida, con guiño a clásicos del pop y cine para niños, Ugllydolls: Extremadamente feos, tiene todo para ser un verdadero exitazo porque tiene gancho para atrapar tanto a los más pequeños como a los adultos.

Valoración: 3/5

Lo mejor: Es bastante entretenida y transmite una alegría contagiosa

Lo peor: No deja ser un poco cursi o ñoña

Crítica de ‘¿Qué te juegas?’

La comedia es, sin duda, la gran triunfadora del cine español. Es el único género capaz de hacer una gran taquilla en nuestro país y atraer al público cuando son, generalmente, los que tienen menor calidad. En medio de este éxito, la debutante Inés de León busca triunfar con ¿Qué te juegas?, protagonizada por Javier Rey, Amaia Salamanca y Leticia Dolera.

El film cuenta la historia de Roberto y Daniela, dos hermanos con una vida lujosa y llena de glamour gracias a la Naviera que heredaron de su padre. Los dos son directores de la empresa, pero con personalidades muy distintas, ya que Daniela es muy perfeccionista y Roberto es un visionario que odia la actitud de su hermana. Sin embargo, todo cambia cuando ambos se enamoran de la misma mujer, Isabel, una joven monologuista contratada por Roberto para que seduzca a su hermana con la intención de que vuelva a ser tan divertida como era antes.

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La cinta es bastante divertida y funciona muy bien gracias a la complicidad que hay entre su trío protagonista. Sin embargo, su principal logro es que se trata de una de las primeras películas cómicas españolas en el que personas de distinto sexo luchan por conquistar a una misma persona, por lo que sabe adaptarse a los nuevos tiempos.

¿Qué te juegas? tiene todos los elementos para funcionar: cuenta con un buen reparto, un guion con toques modernos y una trama que va ganando en interés ya que, en un principio, parece ser la típica comedia romántica pero, al final, se va transformando en un producto diferente que no se parece en casi nada al resto de cintas del género estrenadas anteriormente. Un soplo de aire fresco que el cine español necesitaba.

Valoración: 3/5

Lo mejor: La estupenda conexión que se establece entre sus protagonistas

Lo peor: Abusa de ciertos clichés

Crítica de ‘El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie)’

 John S. Baird se encarga en su nuevo trabajo de algo que no es nada fácil: hacer cine dentro del cine. Además, se atreve llevando a cabo la biografía de Stan y Ollie, conocidos en castellano como el gordo y el flaco.

En la película, sus dos protagonistas se embarcan en su gira de despedida ahora que su época dorada parece haber quedado anclada en el pasado. Con la ayuda de sus respectivas mujeres, ambos logran conquistar al público de las salas de Reino Unido gracias a su peculiar manera de interpretar y de entender el mundo.

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Este biopic ahonda de manera correcta en la personalidad de ambos personajes y en las circunstancias personales que les convirtieron en figuras cómicas de leyenda, la cinta está interpretada con mucha ternura por Steve Coogan y John C. Reilly, estando hecha con cuidado y afecto en todos los apartados.

El Gordo y el Flaco (Stan & Ollie) es una tragicomedia sólida, que busca explorar e ir más allá con unos personajes que dan mucho juego. Lejos de ser una comedia absurda, pretende revelar el impacto melancólico que sufrieron al darse cuenta de que sus carreras se acababan.

Un elemento muy importante para que el film funcione como lo hace es la increíble conexión que demuestran Coogan y Reilly, lo que es una oda a la amistad. Los dos ofrecen interpretaciones que son pura dinamita y con las que consiguen transmitir el tipo de expresión tanto humorística como física de estos cómicos sin caer en la caricatura.

La obra de Baird es un relato que debería ver todo el mundo que sea fan de la pareja y se haya reído a carcajadas con ellos. Un largometraje que no es ninguna obra maestra, pero sí bastante entretenido y que sirve para conocer a fondo a los dos cómicos por excelencia del cine.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: La conexión entre Coogan y Reilly

Lo peor: Es una película biográfica al uso

Crítica de 'Bajo el mismo techo'

Ya era hora de que viéramos a Silvia Abril haciendo un papel protagonista en la gran pantalla, en esta ocasión junto a Jordi Sánchez. La encargada de dirigir a estos dos reyes de la comedia española es Juana Macias, directora de Embarazados, y quien también escribe el guion del film.

Bajo el mismo techo cuenta la historia de un matrimonio que acaba divorciándose. A pesar de esta separación oficial, ambos deben seguir compartiendo piso al no encontrar a un comprador de la vivienda que tanto tiempo han compartido. Además, ninguno de ellos tiene la liquidez suficiente como para irse a vivir a un nuevo apartamento.

Foto: sensacine.com

El film empieza de manera correcta, presentando de forma pausada (pero correcta) a los personajes para que así el espectador entienda su contexto. Sin embargo, lo que al principio parecía dinámico, acaba por volverse muy repetitivo.

La comedia protagonizada por Jordi Sánchez y Silvia Abril funcionaría más como cortometraje que como largometraje. No tiene el interés suficiente como para tardar una hora media en explicar todo lo que tiene que contar. Bajo el mismo techo se va haciendo, cada vez, más pesada. Su forma de estructurarse en capítulos no le ayuda nada; al contrario, le resta dinamismo y provoca que el espectador se impaciente.

Además, sigue una fórmula parecida a la usada, por ejemplo, por Santiago Segura en Sin rodeos pero sin la misma suerte: el incorporar cameos de actores o personalidades famosas sin venir a cuento, como es el caso de Dulceida o de Álex de Lucas. Da la sensación de que están metidos con calzador y, al final, es otro factor más que le resta dinamismo y agilidad. Por último, se quedan algunas historias en el aire que el espectador hubiera agradecido que se resolvieran, como qué es lo que pasa con la relación de Silvia Abril y Malena Alterio.

Valoración: 2,5/5

Lo mejor: Ver a Silvia Abril en un papel protagonista

Lo peor: Que la película decaiga a cada minuto

Crítica de 'The Old Man and the Gun'

En 2017, David Lowery se encargó de llevar a la gran pantalla una de las grandes sorpresas del cine independiente de ese año, A Ghost Story, protagonizada por Rooney Mara y Casey Affleck que, pese a que su título puede ser engañoso, no tiene nada que ver con una historia terrorífica de fantasmas. Ahora, regresa con The Old Man and the Gun, una propuesta más convencional pero con la que no pierde el encanto que caracterizaba a la obra anterior.

La cinta narra la historia real de Forrest Tucker, un ladrón de bancos que pasó la mayor parte de su vida en la cárcel o intentando escapar de ella. De hecho, logro fugarse en 18 ocasiones y cometió su último atraco en el año 2000 cuando tenía 80 años, momento en el que se desarrolla la película.

Foto: filmaffinity.com

Si por algo merece la pena ver The Old Man and the Gun es por la fabulosa interpretación que ofrece Robert Redford, a quien acompañan secundarios de lujos como Casey Affleck o Elisabeth Moss. No sabemos si es la última vez que veremos a Redford en pantalla pero, si así fuese, sería la mejor despedida posible, siendo un claro homenaje a él y a su cine.

The Old Man and the Gun está llena de encanto, impregnada por un tono vitalista y un sentido del humor sorprendente con una atmósfera cercana al cuento y a la fábula. Pese a que lo que cuenta no es nada sorprendente ni destacable, es un largometraje muy sencillo de ver y que nos recuerda todo lo que Redford nos ha dado estos años.

Lejos del sello más intimista y de autor que demostró con A Ghost Story, en The Old Man and the Gun David Lowery enseña la facilidad que tiene para cambiar de género y ofrecer una carta de amor a una leyenda del cine. Un homenaje fascinante.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Poder disfrutar de Robert Redford casi todo el metraje

Lo peor: Es más un homenaje a Redford que otra cosa

Crítica de ‘La casa del reloj en la pared’, una fantasía que explora más de lo esperado

Eli Roth ha decidido probar suerte y, en este caso, le ha salido bastante bien. Dejando atrás el cine de terror o el de acción (‘El justiciero’ fue su último trabajo), se pasa al terreno familiar para mostrar una película sencilla pero bastante completa y que ofrece mucho más de lo esperado.

‘La casa del reloj en la pared’ cuenta con un reparto de lujo, encabezado por Jack Black y la siempre magnífica Cate Blanchett. Su protagonista es el debutante Owen Vaccaro, estando ante un error de cast puesto que probablemente su presencia sea lo más incorrecto del filme, no estando a la altura del resto de los intérpretes.

Foto: eone spain

El filme cuenta el mágico y escalofriante relato de Lewis, un niño de diez años quien, tras quedar huérfano, se muda a la vieja y rechinante casa de tu tío, la cual tiene un misterioso reloj. Pronto, la muy aburrida y tranquila vida de su nuevo pueblo se ve interrumpida cuando por accidente Lewis despierta a magos y brujas de un mundo secreto.

‘La casa del reloj en la pared’ tiene todos los ingredientes para que un filme familiar funcione: un caserón encantado, magia negra y otros misterios irresistibles. Roth maneja con una soltura inesperada los lugares comunes de los cuentos góticos y los actualiza sin que por ello su encanto se vea dañado.

El largometraje puede pasar inadvertido al parecer un relato familiar más, pero lo cierto es que explora lo que otros títulos de temática similar, como ‘Pesadillas’, también protagonizada por Jack Black, no conseguían. Este espectáculo mágico es una experiencia ideal y muy divertida para aquellos más jóvenes que se inicien en el terror y para aquellos que ya no lo son tanto y simplemente quieren pasar un rato muy agradable.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: El personaje de Blanchett y sus grandes dosis de comedia

Lo peor: Que el pequeño Owen Vaccaro no acabe de funcionar

Crítica de 'Johnny English: De nuevo en acción'

En 2003 nació ‘Johnny English’, una divertida película que mezclaba comedia y acción y que pretendía servir como parodia a los filmes de espionajes. Gran parte de su éxito se debió al carisma y a la comicidad de Rowan Atkinson que, pese a funcionar mejor con Mr Bean, prometía todo lo que se esperaba, siendo un producto más que correcto.

Esta vez, el encargado de dirigir la cinta es David Kerr, suponiendo su primer trabajo en la gran pantalla. En esta ocasión, un hacker ha revelado la identidad de todos los agentes encubiertos de Gran Bretaña. Es por esto por lo que Johnny English se verá obligado a posponer su retiro profesional y volver a la carga como espía para encontrar al autor de los hechos.

Foto: Universal Pictures

Con una primera escena que no tiene nada que enviar a los filmes de acción, ‘Johnny English: De nuevo en acción’ se desarrolla de una forma muy previsible, aportando poco más de lo que la saga nos ha ofrecido hasta el momento.

Aún así, el nivel de comicidad de esta tercera parte es superior al de la segunda, ofreciendo más carcajadas y con secundarios como Emma Thompson que son capaces de eclipsar incluso al carismático Rowan Atkinson.

Johnny English cierra una trilogía de la mejor forma. En su tercera entrega ha sabido mantener el listón e incluso superar a la secuela estrenada hace siete años. Sin lugar a dudas, el ver de nuevo a Rowan Atkinson hace que al espectador le entren muchas ganas de volver a ver a Mr Bean. Seguro que si se decidiese apostar de nuevo por este personaje, las risas estarían aseguradas, así como unas buenas cifras en la taquilla mundial.

Valoración: 3/5

Lo mejor: Volver a ver a Rowan Atkinson. Ojalá contarán con él en más filmes humorísticos

Lo peor: Que recurre demasiado al humor fácil y poco elaborado

Crítica de 'Yucatán': Daniel Monzón se pasa a la comedia

Daniel Monzón, el reconocido director de ‘Celda 211’ o ‘El niño’, ha decidido innovar esta vez y cambiar completamente de registro, del drama más profundo a una comedia bastante inteligente. Eso sí, se rodea de Luis Tosar, su actor fetiche y que tantas alegrías le ha dado.

Un crucero de lujo, dos estafadores profesionales y un desastre amoroso. Lucas y Clayderman se dedican a engañar a los turistas de los ostentos cruceros internacionales. Sin embargo, la rivalidad por el amor de Verónica hará que desate la locura entre ambos y decidan separarse. Esta es la premisa de ‘Yucatán’, una película bastante peculiar y con la que el espectador disfrutará.

Foto: sensacine.com

El largometraje es bastante particular y no es una comedia al uso. No esperes una cinta súper divertida ni convencional, eso hay que tenerlo claro. Sin embargo, esto es lo que lo convierte en un producto de calidad, ya que es un proyecto planteado de una forma que pocas veces hemos visto.

Pese a ser algo lenta en su desarrollo y que hay algunas cosas que no acaban de encajar (momentos fallidos de comedia romántica o demasiadas escenas de acción), el espectador pasará momentos muy divertidos y fascinantes, con un Luis Tosar magnífico como siempre (y que ya se postula como uno de los favoritos a ganar el Goya a mejor interpretación masculina, y un Rodrigo de la Serna que no se queda atrás y que también proporciona una actuación bastante completa. La que falla un poco en este casting es Toni Acosta, a la que se la ve demasiado exagerada con un papel con el que no termina de encajar.

‘Yucatán’, el producto español con más calidad del verano, cumple muy bien con sus objetivos, aunque habrá que ver si funciona en una época en la que el público quiere el típico producto televisivo con el que se ría a carcajadas, no una comedia con la que se pretenda ir más allá.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Es mucho más compleja de lo que parece

Lo peor: Cierta descompensación en el interés de sus tramas y la calidad interpretativa de sus actores

Crítica de ‘El espía que me plantó’: una comedia de acción con muchas incorrecciones

La comedia y la acción es una mezcla que, en ocasiones, ha funcionado muy bien. Solo hay que ver lo que ha pasado con ‘Kingsman’, ‘Espías’ o con ‘Infiltrados en clase’, filmes que combinan perfectamente ambos géneros y que son más que correctos. Sin embargo, hay que tener mucho cuidado para no caer ni en los tópicos ni en los excesos, y eso es lo que ocurre en ‘El espía que me plantó’, largometraje protagonizado por Mila Kunis y la grandísima comedianta Kate McKinnon.

La película cuenta la historia de Audrey y Morgan son dos amigas que viven en Los Ángeles y que se ven envueltas en una trama de espías. Todo comienza cuando el exnovio de Audrey aparece en su apartamento con un equipo de asesinos mortales persiguiéndole. Sin ella saberlo, descubrirá que su antigua pareja, a la que creía conocer, es un agente de la CIA.

Foto: filmaffinity.es

La trama es bastante divertida y la idea de partida es bastante original. Sin embargo, su ejecución es muy errónea. En primer lugar, sus situaciones son demasiado exageradas. En ‘El espía que me plantó’ se confunde la comedia con la hipérbole. No hay nada que funcione peor en una cinta que el intentar hacerse el gracioso, porque esto nunca funciona y el espectador lo nota enseguida. Además, Kate McKinnon (una de las mejores cómicas que hay actualmente en ‘Saturday Night Live’) está muy sobreactuada y saca totalmente de contexto.

‘El espía que me plantó’ tiene muy buenas intenciones, pero falla en su planteamiento, en su narrativa y en un concepto equivocado de comedia, pudiendo haber sido uno de los largometrajes del verano, pero que acaba siendo un producto bastante simplón. Las situaciones forzadas pocas veces funcionan, y la directora (y también guionista) debe plantearse seriamente la forma de ejecución en este tipo de género.

Valoración: 2,5/5

Lo mejor: Su planteamiento y algunos momentos puntuales muy divertidos

Lo peor: Una Kate McKinnon que sobreactúa demasiado

Crítica de ‘Mamma Mia! Una y otra vez’: una de las secuelas más innecesarias de la historia

‘Mamma Mia’, estrenada en 2008 y dirigida por Phyllida Lloyd no era una película redonda ni mucho menos, para que nos vamos a engañar. Sin embargo, era bastante entretenida y, cuando el espectador salía de la sala, un buen rollo invadía todo su cuerpo, contento y satisfecho por lo que acababa de ver y por lo que había disfrutado cantando unas canciones que siempre estarán de moda. Con todo el éxito que obtuvo en taquilla, siendo uno de los musicales más rentables de la historia, su secuela era casi inevitable, pero, ¿por qué esperar 10 años y hacerlo de esta manera?

En ‘Mamma Mia: Una y otra vez’ se nos cuenta lo que ha ocurrido durante los últimos diez años después de la boda de Donna y Sam Carmichael. Los personajes vuelven a la carga con una secuela que también viajará al pasado para que el espectador descubra cómo se forjaron algunas relaciones y cómo han cambiado con el paso del tiempo.

Foto: universalpictures.es

Ol Parker sustituye a Phyllida Lloyd en la dirección y Cher, Lily James, Alexa Davies y Andy Garcia se unen a Meryl Streep y compañía. ¿Qué podría fallar con este reparto de lujo? Pues que la historia no tiene la suficiente potencia y no se sostiene por sí misma. Ni siquiera, las pegadizas canciones de ABBA que todos conocen logran que el espectador tenga interés en ver lo que ocurre en pantalla.

En primer lugar, pese a que el público podrá disfrutar de otras canciones de ABBA que no se vieron en ‘Mamma Mia’, muchas de las que suenan también se pudieron escuchar en la cinta original de 2008, lo que provoca un poco de pereza al escuchar las mismas melodías. Y, en segundo lugar, el hecho de que una gran parte del metraje consista en introducir flashbacks para conocer la vida de Donna cuando era joven, hace que la película sea bastante aburrida y que no aporte nada relevante a la historia que ya conocíamos. Una pena que esta secuela no haga justicia al espectáculo que es ‘Mamma Mia’ y que puede provocar que mucha gente acabe odiando los musicales. Por suerte, no todos son así.

Valoración: 2/5

Lo mejor: Las situaciones que tienen lugar en el presente

Lo peor: No aporta nada a la historia y los nuevos personajes están metidos con calzador

Crítica de Deadpool 2: repetir dos veces lo mismo no funciona

Para que una secuela funcione, tiene que ofrecer una idea original y novedosa, con un planteamiento que respete la esencia de la primera parte pero que cuente una historia que poco se parezca a esta. Los guionistas de Deadpool 2 no deben de pensar esto, porque su planteamiento ha sido más que fallido.

Deadpool 2 nos cuenta la historia de un desfigurado chef de cafetería, llamado Wade Wilson, que trata de cumplir su sueño de convertirse en el camarero más famoso del lugar, al tiempo que trata de hacer frente a su pérdida del sentido del gusto. En la búsqueda para la recuperación de este, así como la de un condensador de flujo, Wade deberá luchar contra ninjas, yakuzas y un grupo de perros sexualmente agresivos, mientras recorre el mundo para descubrir la importancia de la familia, la amistad, el sabor y conseguir ganar el codiciado título que pone en las tazas de café: "El mejor amante del mundo”.

Foto: filmaffinity.com

¿Qué es lo que tiene la secuela para que no funcione? Que no hay ápice alguno de novedad más allá de la incorporación del personaje de Cable. Las escenas se hacen muy largas, los momentos cómicos son excesivos y parte de su metraje es prescindible.

Deadpool 2 tiene momentos buenos. Es cierto que, mirando con un poco de perspectiva, su primera parte tampoco es que fuese un buen filme, aunque sorprendió gracias a no parecerse nada a los largometrajes de superhéroes que estábamos acostumbrados a ver. El personaje interpretado por Ryan Reynolds se ha convertido en una absurda parodia de sí mismo. Ha pasado lo mismo que con Kick-Ass: su primera película tenía mucha gracia y, la segunda, tenía muchísimos baches que se podrían haber solucionado, pero es mucho más fácil poner el piloto automático.

Valoración: 2/5

Lo mejor: Algunos momentos cómicos tienen su gracia

Lo peor: Da la sensación de que se ha hecho con piloto automático

Crítica de #Sexpact: las risas están aseguradas en esta alocada comedia

 La comedia independiente en USA ha vuelto, y lo ha hecho de una forma bastante original y repleta de carcajadas. #Sexpact nos cuenta la historia de tres padres que tratan impedir que sus hijas mantengan relaciones sexuales en la noche del baile de la graduación.

A juzgar por el tráiler, parece que estamos ante una comedia sin gracia y demasiado soez, cuyos únicos elementos cómicos son a base de decir palabras malsonantes. Pero #Sexpact es mucho más. Pese a no ser redonda, el filme protagonizado por Leslie Mann y John Cena nos deja muy buenos momentos.

Foto: fotogramas.es

En primer lugar, los padres de #Sexpact son tratados como el elemento cómico, si bien hay que señalar que las actrices que interpretan a las tres jóvenes tienen un genio que provoca que el espectador suelte carcajadas cada vez que pronuncian una palabra. La inocencia de la premisa del largometraje da frescura a cada elemento vulgar que aparece en ella.

Es cierto que, a lo largo de su visionado, su público puede tener la sensación de que es una cinta ideal para ver un fin de semana en casa de los amigos, pero que no merece la pena gastarse el dinero en ella. Aún así, la obra debut de Cannon en la dirección es bastante adorable, a pesar de sus asquerosas bromas sobre fluidos corporales.

Pese a que el mensaje de #Sexpact es algo torpe, son sus pequeños giros los que hacen que el filme se convierta en un referente en cuanto a comedias sexuales adolescentes se refiere. Si hay algo que este largometraje consigue es que por fin se dé a las mujeres jóvenes la comedia sexual adolescente que merecen. Pocas veces se habían producido tantas carcajadas juntas en una sala de cine.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Es muy divertida y toca un campo hasta ahora inexplorado en el género

Lo peor: Abusa de las bromas obscenas y de una exageración que saca de contexto

Crítica de Las Leyes de la Termodinámica: una comedia diferente

Después de impresionarnos en el terreno de la ciencia ficción con la infravalorada “Proyecto Lázaro”, Mateo Gil vuelve para presentarnos una comedia romántica que, sin duda, está planteada de una manera muy diferente a lo que el espectador está acostumbrado a ver en este género.

“Las Leyes de la Termodinámica” cuenta la historia de Manel, un físico algo neurótico que piensa que las relaciones de pareja no solo se rigen por las leyes de la naturaleza. Un día se cruzará en su camino Elena, una atractiva actriz de la que se enamorará perdidamente. Cuando se acabe su relación, Manel intentará explicar a través de las leyes de la física cómo él no es el único responsable de este fracaso amoroso.

Foto: Fotogramas.es

El filme es muy disparatado y tiene momentos realmente divertidos. Vito Sanz está muy bien en la composición de su personaje, aportando momentos muy cómicos y con una alta carga humorística. El guion consigue atrapar desde el primer momento. Sin embargo, a medida que va avanzando el metraje, el espectador se dará cuenta de que la historia no avanza y toda esa originalidad que se observa al principio se convertirá en monótona y aburrida.

Hay algo que falla en “Las Leyes de la Termodinámica”, un trabajo que podría haber sido perfecto pero que, por desgracia, no lo es. Su principal problema es la falta de ritmo y la poca capacidad de sorpresa que tiene en el espectador más allá de la originalidad de su propuesta. Todos sus actores están realmente bien, destacando el trabajo de Vito Sanz y de Chino Darín, pero una premisa original no es suficiente para captar la atención del espectador en 100 minutos de metraje, lo que hace que se acabe convirtiendo en otra comedia española del montón.

Valoración: 2,5/5

Lo mejor: Su propuesta original y las interpretaciones de Vito Sanz y de Chino Darín

Lo peor: La decadencia que va sufriendo el filme a medida que pasan los minutos