sábado, 30 de diciembre de 2017

Crítica de Ferdiland: Blue Sky lo vuelve a intentar

Hay muchas compañías de animación, pero no todas están al mismo nivel. Está claro que Pixar es la primera, y las otras van muy detrás suya. Sin embargo, entre todas las que hay, puede que Blue Sky sea la que menos calidad posea. Es cierto que ha regalado películas emblemáticas y exitosas como la trilogía “Ice Age”, pero nunca ha hecho ninguna película realmente buena.

Parece que la animación y el mundo latino están más unidos que nunca. hace unas semanas se estrenó “Coco”; y ahora le ha llegado el turno a Ferdiland, un toro al que confunden con una bestia peligrosa que lo llevan a España para convertirse en un toro bravo.



El film está de constante actualidad, al tratar de una manera suave y sin entrar en juicios valorativos, la polémica que hay con respecto a los toros. “Ferdiland” es una cinta muy divertida, con una historia más elaborada de lo que suelen estar las películas de Blue Sky y con un mensaje para reflexionar.

No es un largometraje pretencioso ni del que se espera gran cosa. Es sencillo, pero en su sencillez es donde, probablemente, más triunfa. No tiene pretensiones ni busca convertiré en un hito. Cuenta una historia sencilla que encantará a niños y entretendrá a adultos.

La cinta está dirigida por Carlos Saldanha, un habitual de la compañía después haberse encargado de algunos filmes de Ice Age y las dos partes de Rio. Desde que empieza la película, se puede observar el sello de Saldanha, ya que recuerda mucho a sus trabajos anteriores. Sin embargo, hay algo que diferencia a Ferdiland de las demás y es que, pese a no ser una obra maestra, probablemente sea lo mejor que ha hecho el estudio. ¡Olé!


Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Su planteamiento es muy interesante


Lo peor: Intenta sacar escenas cómicas de todos los rincones, y no siempre le funciona

sábado, 23 de diciembre de 2017

Crítica de Star Wars: Episodio VIII - Los últimos Jedi

Para muchos, una nueva cinta de Star Wars es, probablemente, uno de los acontecimientos cinematográficos del año. Ahora, los fans están de suertes puesto que se está estrenando una película al año. La nueva entrega está dirigida por Rian Johnson y ha generado mucha expectación. ¿Estará mejor que El Despertar de la Fuerza?

A la pregunta lanzada en el párrafo anterior, la respuesta es clara: Los Últimos Jedi supera, con creces a su antecesora. Pese a que su largo metraje puede desesperar un poco a todos aquellos que piensen que las cintas de más de dos horas tienen partes suprimibles, la cinta tiene mucho ritmo, observamos una evolución de los personajes y, probablemente, sea la que esté más próxima en calidad a la obra de George Lucas de 1977.

Foto: Fotogramas.es

El Despertar de la Fuerza (Capítulo VII), sirvió como introducción y muchos tuvieron la sensación de que no contaba nada nuevo dando la sensación, en muchas ocasiones, que parecía más un tributo a su primera entrega que una película nueva.  Disney le está sacando partido a Star Wars. En dos años, ya es el tercer filme que vemos después de que el año pasado se estrenara “Rogue One, una historia de Star Wars” que, para muchos, fue superior al episodio VII.

A la espera de que dentro de unos meses (el 25 de mayo de 2018) se estrene “Solo: Una historia de Star Wars”, basada en el personaje de Han Solo, esta nueva entrega de Star Wars será de agrado para todo tipo de público. A los fans les encantará ver una historia que aporta un síntoma de novedad a la franquicia y que es un título muy superior a su anterior parte, mientras que las nuevas generaciones quedarán maravilladas ante sus efectos especiales y sus perfectas secuencias. Parece que ya hay plan para esta navidad.

Valoración: 4/5
Lo mejor: Es una de las mejores películas del universo Star Wars

Lo peor: Le sobran 20 minutos de metraje

sábado, 16 de diciembre de 2017

Crítica de "Perfectos Desconocidos"

La privacidad no está muerta. Está más que enterrada, aniquilada. Ya uno no se puede mostrar tal y como es por miedo a que alguien lo esté escuchando o no dice ciertas cosas por el móvil por miedo a que alguien lea sus mensajes. Es triste, pero es lo que está ocurriendo.
Planteado a modo de comedia dramática, “Perfectos Desconocidos”, remake de una película italiana estrenada en 2016 con el mismo título, hace que el espectador se vea reflejado en ella y que se ponga en la piel de los protagonistas, ya que es algo que podría suceder perfectamente cualquier día en una comida familiar o con amigos.
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Foto: Fotogramas.es
El filme cuenta la historia de un grupo de amigos que se reúne a cenar a casa de una de las parejas. Todo va normal hasta que plantean un juego, que consiste en dejar sus teléfonos móviles encima de la mesa para que todos tengan acceso a los mensajes y llamadas que reciban a lo largo de la noche.
Solo por el argumento, ya apetece verla. Aunque uno ya sabe cuál es la dinámica que va a seguir la cinta, es bastante interesante y se vuelve inesperada en su tramo final. Mantiene siempre un clímax de tensión por saber qué es lo siguiente que va a ocurrir y cómo van a ir cambiando los personajes.
A pesar de breves tropiezos como el de “Mi gran noche”, Álex de la Iglesia confirma estar en un momento pletórico. Después de volver a su esencia con la notable “El Bar”, con “Perfectos Desconocidos” logra un digno remake, muy interesante y con una propuesta muy diferente a la que nos tiene acostumbrados el director vasco.
Valoración: 4/5
Lo mejor: La intriga que genera en el espectador, deseoso por saber cómo acabará todo
Lo peor: No todos sus actores están al mismo nivel

sábado, 9 de diciembre de 2017

Crítica de "Coco": Vuelve el Pixar que creíamos perdido

Cuando alguien dice Pixar, automáticamente se piensa una completa calidad, tanto animada como humana. La compañía es dueña de títulos como "Up" o "Los Increíbles" que son parte de la historia del cine. Sin embargo, desde 2011, pegó un bajón importante y, pese a que pareció recuperarse con títulos como "Del Revés" (2015) o "Buscando a Dory" (2016), lo cierto es que ha tenido muchas idas y venidas que, aunque le sigan valiendo el título a la mejor compañía de animación, su garantía ya no existe. Antes, uno iba a ver un largometraje de Pixar y sabía que le iba a gustar. Ahora, ya no lo tiene nada claro.

La compañía del flexo ha decidido dar un descanso a las secuelas y a las historias de coches que no dan más de sí para traernos "Coco", film dirigido por Lee Unkrich, responsable de la fantástica "Toy Story 3" (2010). Había un poco de miedo con lo que podía salir de ahí. Los avances la presentaban como un proyecto bastante ambicioso y original, pero también arriesgado que podía tener cierto problema con su público infantil, ya que a algunos niños puede darles susto algunos de sus personajes.

                 Foto: Fotogramas.es

Sin embargo, "Coco" es todo un acierto, y reanuda las esperanzas en el universo Pixar. De nuevo, la compañía nos presenta una historia compleja, con momentos cómicos para provocar la risa de los niños, y con escenas muy emocionantes y que harán reflexionar y emocionar al espectador como lo han conseguido otras joyas de la animación.

Una de las ventajas de la versión doblada es que se ha optado por hacer solo una versión en latino (como las antiguas películas Disney), y que se escuchará de la misma manera tanto en España como en toda Latinoamérica. Esto es un acierto en toda regla, ya que nos permite meternos mucho más en la acción y nos libra de un doblaje hecho con personalidades famosas españolas cuya voz no pega ni con cola con el personaje. Muy bien Pixar, vas por buen camino. Ahora todas las miradas están puestas en "Los Increíbles 2", que llegará el próximo verano. Lo único que queda decir es: "por favor, vuélvenos a sorprender.


Valoración: 4,5/5

Lo mejor: Recuerda a las mejores películas de Pixar

Lo peor: Su poco gancho comercial puede hacer que no tenga mucho éxito

sábado, 2 de diciembre de 2017

Crítica de "Asesinato en el Orient Express"

Kenneth Branagh es un actor y director con un amplio potencial pero que, en los últimos años, ha optado por el camino fácil. ¿Para qué complicarse en crear largometrajes complejos que no hagan taquilla si se pueden hacer productos que reporten un gran beneficio económico? Solo hay que ver los filmes que ha estrenado desde 2011: “Thor” (2011), “Jack Ryan: Operación Sombra" (2014), "Cenicienta" (2015) y, ahora, “Asesinato en el Orient Express”, que supone la tercera adaptación de la novela publicada por Agatha Christie en enero de 1934 después de las versiones de 1974 y 2001.

Esta nueva versión es igual que todas las cintas anteriores del director: Kenneth Branagh consigue un producto correcto y entretenido, demostrando la habilidad que tiene tras las cámaras, pero que no despierta ningún tipo de sentimiento en el espectador ni juega con el factor sorpresa, puesto que son historias que ya conoce y en las que el misterio desaparece.

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Foto: Sensacine.com

En esta ocasión, el director nos trae a un reparto de lujo, revelándose como una de las superproducciones del año: Michelle Pfeiffer, Judi Dench, Penélope Cruz, Johnny Depp, Willem Dafoe y el propio Kenneth Branagh. Durante todo el metraje, el espectador se sentirá enganchado ante la multitud de situaciones que ocurren en el filme, que logran aportar un punto de misterio, aunque el público seguro que conoce de sobra su argumento: un asesinato se comete durante un trayecto en el tren Orient Express, y todos los pasajeros resultan ser sospechosos del mismo.

“Asesinato en el Orient Express” nos brinda la oportunidad de ver a grandes talentos juntos, con momentos bastante entretenidos pero que, a fin de cuentas, todo el mundo sabe cómo va a acabar, con un guion que no permite que los actores se luzcan todo lo que deberían, y que es bastante inferior que el largometraje estrenado en 1974.


Valoración: 3/5

Lo mejor: Su espectacular elenco actoral

Lo peor: Su poca capacidad de sorpresa, al presentar una historia de sobra conocida por todos


  

sábado, 25 de noviembre de 2017

Crítica de "La Liga de la Justicia"

La nueva forma que estaba adquiriendo el universo DC descontentó a todos, y era obvio que algo había que hacer al respecto. Después de la decepcionante “Batman vs Superman” llegó “Escuadrón Suicida”, que prometía ser todo un hito y regalarnos muchos momentos, pero que fue todo un fracaso, que no dio absolutamente nada de lo que se veía en sus avances.

Cuando parecía que estaba todo perdido, llegó “Wonder Woman”, un filme bastante completo y con una acción trepidante que hacía que los fans vieran que no estaba todo perdido y decidieran dar a DC una segunda oportunidad. Con “La Liga de la Justicia” se jugaban mucho, y es que su resultado podía determinar si merece la pena seguir viendo las nuevas aventuras de estos superhéroes o si necesitan un descanso.

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Foto: Culturaocio.com

Zack Snyder sabe corregir todos los defectos y carencias de “Batman vs Superman” para aportar ritmo, mucha acción y toques de comedia sin pasarse de la raya. Es un auténtico placer ver que todos los personajes están juntos pero no revueltos, como sucedió en el largometraje anteriormente mencionado.

Todos brillan por igual, y nos da la oportunidad de conocer a personajes como The Flash y Aquaman, quienes todavía no han tenido ninguna película en solitario. A pesar de algunas escenas de relleno, el ritmo no decae y se agradece que sea la película más corta del universo DC, puesto que la historia no pierde interés y nos ayudará a conocer más a unos superhéroes que han sido presentados de manera un poco caótica.

Por tanto, “La Liga de la Justicia” nos demuestra que DC se equivocó en los principios de su nueva etapa, que han sabido corregir sus errores, y que han llegado para plantar cara a Marvel, ya que sus guiones están bastantes más elaborados que las cintas de los personajes creados por Stan Lee.


Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Es bastante entretenida y permite que conozcamos a los personajes muy a fondo


Lo peor: Su manera liosa de presentar a tantos personajes que no conocemos de nada

sábado, 18 de noviembre de 2017

Musa demuestra que el cine de terror español vive su mejor momento

El cine de terror español está pasando por un momento glorioso, y ya va siendo hora de que se le tome más en serio. Después de que Paco Plaza lograse una estupenda Verónica, uno de los mejores filmes españoles de lo que llevamos del año, Jaume Balagueró, el creador de Rec junto a Plaza, nos presenta un relato sobrenatural que mantendrá la tensión del espectador en todo momento.

“Musa” cuenta la historia del profesor Samuel Solomon, quien tiene una recurrente pesadilla en la que una mujer es asesinada. Esta misma mujer es encontrada muerta en idénticas circunstancias a las que tenían lugar en sus sueños. Él, junto a Rachel, otra chica que también ha soñado con el mismo asesinato, se sumerge en un mundo tenebroso para intentar descubrir la verdad sobre los hechos que han sucedido.

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Foto: Sensacine.com

La cinta mantiene en tensión en todo momento, y hará que el espectador lo pase realmente mal. Jaume Balagueró juega con un ambiente tenebroso y de misterio con tintes de terror psicológico que tan bien le funcionó en “Mientras Duermes” (2011) y que repite con éxito, demostrando sus dosis de talento.

“Musa” es impredecible, y no permite que el espectador juegue con ventaja y pueda adivinar lo que va a suceder, ya que no hay lugar para ello. Sus escenas dejarán perplejos y la tensión aumenta por segundos. Puede que no estemos ante lo que hoy en día muchos consideran una obra de terror. No esperes sobresaltos porque, probablemente, no los encontrarás, pero sí que serás partícipe de un juego maquiavélico totalmente recomendable para aquellos que amen el thriller psicológico y les guste salir de la sala inquietos y con multitud de planteamientos.


Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Su buena producción y el mal rollo que transmite

Lo peor: Que el espectador espere solo una historia de brujas y espíritus


sábado, 11 de noviembre de 2017

Enganchados a la muerte: Un remake innecesario que no te atrapará

¡Remake a la vista! Esta vez le ha tocado el turno a “Línea Mortal”, filme de 1990 dirigido por Joel Schumacher y protagonizado por Kevin Bacon y Julia Roberts. Su argumento consistía en que un grupo de estudiantes de medicina llevan a cabo un experimento que consiste en llevar a uno de ellos a un estado clínicamente muerto para luego reanimarlo y que cuente a los demás su experiencia.

27 años más tarde nos llega su remake, que en España han cambiado el nombre a “Enganchados a la Muerte” para que creamos que estamos ante un producto distinto, cuando realmente nos cuenta lo mismo que la obra original solo que adaptada a las nuevas tecnologías, apareciendo Kiefer Sutherland retomando su papel de 1990.

Foto: Ecartelera.com

La película cuenta con la dirección de Niels Arden Oplev, responsable de Millenium, con un guion escrito por Ben Ripley, encargado del libreto de la magnífica “Código Fuente” (2011), y con un reparto encabezado por Ellen Page y Diego Luna.

A priori, los nombres que encabezan el proyecto son bastante interesantes y cabía la posibilidad de pensar que pudieran ofrecernos algo distinto a lo que vimos en 1990 y que consiguiera perturbarnos todavía más. Sin embargo, “Enganchados a la Muerte” deja al espectador indiferente, con un guion que no consigue atrapar y que, incluso, llega a aburrir.

El filme comete el error de no reinventarse. Podría haber profundizado en el aspecto moral y científico que supone el proyecto que llevan a cabo, pero, en lugar de eso, prefieren optar por sustos y sobresaltos, efectos especiales de serie B y una historia plana y que apenas aporta variaciones con respecto a su obra original. Habría sido mucho más interesante hacer una secuela que se centrara en los aspectos anteriormente mencionados, que hacer un remake mucho peor que la cinta de los 90.


Valoración: 2/5

Lo mejor: Disfrutar de Ellen Page, quien está demasiado desaparecida en el panorama cinematográfico


Lo peor: Pese a que Línea Mortal no es ninguna obra maestra, es bastante superior a este remake

sábado, 4 de noviembre de 2017

El secreto de Marrowbone: ¿Dónde habíamos visto esto antes?

El cine español es cada vez más propenso a hacer filmes de misterios, de terror y de thriller psicológico para atrapar al espectador y que se quede enganchado con todo lo que ocurre a su alrededor. Lo malo de este género es que parece que cada vez cuesta más innovar, y se tiende a colocar los mismos elementos una y otra vez.

Algo muy parecido ocurre en "El secreto de Marrowbone", que se nota que tiene el sello de Sergio G. Sánchez por partida doble: firma el guion y se estrena bajo la dirección. La película se presenta como lo que es: un thriller con elementos de terror protagonizada por niños, una casa grande y fantasmas.

Con solo ver el argumento, el espectador tiene la certeza de que va a ver algo que ya conoce de antes, pero siempre existe algún ápice de esperanza en que puede ocurrir algo distinto y que se nos haya escapado al visionar el tráiler. Desgraciadamente, esto no ocurre.

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Foto: Sensacine.com

La estética del filme es espectacular y su producción está cuidada de manera soberbia, pero es una cinta que llega, por lo menos, veinte años tarde. Después de haber visto ciertas cosas, como “Los Otros”, del maestro Amenábar, tenemos poca capacidad de sorpresa, y necesitamos proyectos ambiciosos, que nos saquen de nuestras casillas y que el público salga de la sala asombrado y sin capaz de comprender lo que acaba de ver.

Pese a esto, la película agradará a los fans del thriller psicológico (no tanto a aquellos que les encantan las historias de terror). No obstante, si descubres antes de tiempo que es lo que realmente pretende contar su director, puede que te sientas decepcionado y que tan elaborado misterio se desvanezca antes de tiempo.

Valoración: 2,5/5

Lo mejor: Una producción muy cuidada y que sabe meter al espectador en la época en la que acontece

Lo peor: En los años 90 hubiera sido una revolución pero, después de “Los Otros”, pocas cosan sorprenden

sábado, 28 de octubre de 2017

Crítica de Geostorm, una nueva película de catástrofes pero con un toque distinto

El cine de catástrofes es un recurso demasiado explotado en el mundo audiovisual. Hay muchos que consideran que este género es un desastre y no piensan que sea cine como tal. Con un argumento que puede recordar un poco a la fallida "2012" (2009), "Geostorm", dirigida por Dean Devlin consigue que, a pesar de ser algo muy visto, sea bastante entretenida.

La cinta cuenta la historia de que, cuando el control de los satélites se encuentra en mal funcionamiento, un ingeniero de comunicaciones trabajará con su hermano, con el que lleva años sin sin hablar, para salvar el  mundo de una tormenta enorme. Puede parecer un cliché demasiado explotado pero lo novedoso es que, mientras ocurre todo este lío, se está tramando una conspiración para matar al presidente de los Estados Unidos.

Foto: Antena3.com

El filme es bastante entretenido, y lo cierto es que no es nada predecible. Los que son fans de este género adorarán la película y, quienes son más reacios, simplemente la disfrutarán y le servirá para eliminar ciertos prejuicios. Otra de las razones por las que "Geostorm" funciona es gracias a su heterogéneo y espléndido reparto, encabezado por Gerard Butler, Abbie Cornish y Jim Sturgess. Los actores se meten de lleno en la obra y logran darle un toque dramático.

Pese a su derroche de efectos especiales, en algunas ocasiones muy exagerados, "Geostorm" se convierte en una de los mejores largometrajes de catástrofes que se han hecho nunca puesto que, además de entretener, nos aporta una historia más novedosa de la que nos tienen acostumbrados y que nos mantendrá en tensión en todo momento. Puede que simplemente sea porque este 2017 nos está ofreciendo muchos títulos cinematográficos olvidables, pero lo cierto es que la cinta, aunque no se pueda considerar de calidad, cumple de sobra sus objetivos.

Valoración: 3/5
Lo mejor: Es uno de los mejores filmes de catástrofes que se han hecho nunca
Lo peor: Que no se le pueda pedir mucho más


sábado, 21 de octubre de 2017

Crítica de El Muñeco de Nieve: Thriller correcto pero que peca de complejo

El nombre de Tomas Alfredson comenzó a ser muy conocido por todos a partir de 2008, cuando dirigió “Déjame Entrar”, uno de los filmes más aterradores y brillantes de esa década. Más adelante, en 2011, se encargó de dirigir el complejo thriller político “El Topo”, y ahora se atreve a adaptar la novela “El Muñeco de Nieve” del autor noruego Jo Nesbø, con guión de Hossein Amini, encargado del libreto de “Drive” (2011).

La cinta cuenta la historia de Harry Hole, un brillante detective que usa métodos poco éticos y convencionales y que se encarga de investigar la extraña desaparición de una mujer. Más adelante, se da cuenta de que se enfrenta a un peligroso asesino en serie en su ciudad.

Tomas Alfredson tiene la ventaja de que el libro en el que se basa tiene mucha calidad, por lo que se partía de un producto muy bueno. El problema es que el filme se diluye en su segunda mitad con historias demasiado enrevesadas y que pierden el hilo de lo que se quiere contar en un principio.

Foto: Fotogramas.es

“El Muñeco de Nieve” es de esas cintas que se venden como un blockbuster para el gran público, pero lo cierto es que se trata de una historia muy compleja que muchos pueden calificar de aburrida. Pese a contar con un brillante elenco actoral, encabezado por Michael Fassbender, Rebecca Ferguson, Charlotte Gainsbourg y J.K. Simmons, la historia carece de ritmo y puede que sea muy complicada de seguir para los que no se hayan leído la obra original.

Tomas Alfredson demuestra con “El Muñeco de Nieve” que no todos los directores saben hacer películas comerciales, puesto que la complicación de sus guiones sigue vigente en un largometraje que llegará a menos gente de la que pretendía.
                                                                                                          
Valoración: 2,5/5
Lo mejor: Su brillante elenco actoral y la tensión en su clímax

Lo peor: Peca de compleja y puede provocar mucha confusión entre su público

sábado, 14 de octubre de 2017

Blade Runner 2049: La espera ha terminado

No es un sueño, por fin ha llegado. Si hace unos años nos hubieran dicho que iban a hacer una secuela de Blade Runner, seguro que hubiéramos dicho que estaba loco o que aquello no era posible, ya que el filme de Ridley Scott es uno de esos en los que una continuación es absolutamente impensable.
35 años después llega la secuela de Blade Runner, y no podría estar en mejores manos. Denis Villeneuve se ha convertido en uno de los directores contemporáneos más talentosos y, después de demostrar que el terreno de la ciencia ficción se le da bastante bien con “La Llegada”, ha puesto toda la carne en el asador para presentarnos una de las secuelas más complicadas de la historia del cine.
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Foto: Fotogramas.es
Villeneuve sabe que se juega mucho en esta secuela. Si gusta, tiene un puesto seguro como director de moda en Hollywood durante muchos años pero, si recibe críticas negativas o es considerada inferior a la original, su carrera como director de superproducciones llegaría a su fin y volvería a sus orígenes indies (de él es la magnífica “Incendies”, su primer largometraje).
Blade Runner 2049 no consigue superar a la original, puesto que eso era muy difícil, pero tampoco se queda nada atrás. Villeneuve nos trae una obra que respeta totalmente a la original, con una historia igual de compleja y de cuidada. El director sabe aprovechar muy bien los avances que ha tenido la tecnología en 35 años para que el espectador se vea inmerso en un mundo colorido pero a la vez oscuro, en un viaje con escenas impactantes y con nuevos personajes que funcionan a la perfección.
La secuela funciona porque, aunque bebe de la original, no es una copia de ella ni una especie de tributo para recordar lo buena que era su primera parte (véase Trainspotting 2). Villeneuve vuelve a demostrar que la ciencia ficcion es un género que domina a la perfección y que no hay nada que se le resista, convirtiéndose en una pieza imprescindible del cine contemporáneo.
Valoración: 4/5
Lo mejor: Pese a tratarse de una secuela, su idea es muy original y tiene aroma de producto novedoso
Lo peor: Que los fans acérrimos de la primera parte se nieguen a admitir que la historia continúa

sábado, 7 de octubre de 2017

La Llamada: Una locura musical realmente divertida

“La Llamada” es una cinta que sabes que va a despertar todo tipo de controversias. Es polémica, gamberra y se ríe de algo que pocas personas se han atrevido a tocar de una manera tan espontánea y loca. Después de la sobresaliente “Paquita Salas”, había pocas dudas de si el salto a la gran pantalla de los Javis iba a ser exitoso o no.

La película cuenta la historia de María y Susana, dos jóvenes que pasan el verano en el campamento de monjas “La Brújula”. Ambas se escapan de noche como buenas amantes de la fiesta y el electrolatino y, un día, a María se le aparece Dios, que buscará cautivarla cantándole canciones de Whitney Houston.  Con solo escuchar su argumento, se sabe que estamos ante algo novedoso y que viene dispuesta a revolucionar.

                                      Foto: Fotogramas.es

El filme es todo un disfrute desde su primer fotograma al último. Respeta totalmente la esencia de la obra de teatro, alcanzando momentos brillantes y llegando, en ocasiones, a superarla. Para su pleno disfrute, es mejor no tomársela en serio, sino dejarse llevar y disfrutar por algo que pocas veces se había atrevido a hacer el panorama cinematográfico.

Javier Calvo y Javier Ambrossi se coronan, una vez más, como unos directores magníficos y con unas ideas desbordantes que se merece, como mínimo, una nominación al Goya para Mejor Dirección Novel.

No solo sobresale en “La Llamada” su espectacular dirección y guion, sino que sus actrices son sublimes, destacando el trabajo de Macarena García y Anna Castillo. En cierta manera, ellas son las encargadas de que el filme no decaiga y de brindarnos un tremendo espectáculo audiovisual desde el primer minuto hasta el último.

Valoración: 4/5
Lo mejor: Su perfecta combinación y su brutal puesta en escena

Lo peor: A mucha gente le puede parecer excesiva y que peca de extravagante

sábado, 30 de septiembre de 2017

Crítica de Kingsman, El Círculo de Oro: una secuela superior a la original

En 2014 Matthew Vaughn revolucionó el mundo del cine de espías con “Kingsman: Servicio secreto”. La originalidad de su propuesta, el estilo gamberro y las múltiples dosis de adrenalina que proporcionaban hicieron de este un filme diferente y muy atractivo.
Ahora, tres años después, llega su secuela, en la que repiten Colin Firth, Taron Egerton y Mark Strong, a los que se suman Halle Berry, Channing Tatum, Julianne Moore y Jeff Bridges entre otros. Con este espectacular reparto, no cabe duda de que su presupuesto ha subido, signo del éxito de la primera entrega.
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Foto: Fotogramas.es
Y lo bueno es que no es lo único que ha subido. Kingsman gana en calidad, fuerza y capacidad de sorpresa. Logra dejar con la boca abierta al espectador y que no sé crédito de lo que está sucediendo en la pantalla. La acción, la comedia y lo absurdo abundan, conviviendo con la incoherencia más absoluta.
Matthew Vaughn, responsable de éxitos como la primera entrega de “Kick – Ass” o “Xmen: Primera Generación” demuestra ser fiel seguidor de sus principios y que, a pesar del gran éxito de su anterior entrega, respeta plenamente su esencia. Y es que lo bueno de todo es que el director ha sabido detectar los errores de la primera entrega y le ha aportado ese tono de incoherencia y emoción que fallaba en la primera.
Eso de que segundas partes son siempre malas no siempre es cierto, y esta cinta es una buena prueba de ello. Probablemente, tengamos Kingsman para rato, lo cual me alegra profundamente, siempre y cuando no baje el ritmo y la originalidad y la sorpresa sean sus factores fundamentales.
Valoración: 4/5
Lo mejor: Una secuela mucho mejor que su antecesora, con unos protagonistas que le aportan una armonía y un ritmo exquisito
Lo peor: ¿Nos puede ofrecer más o ya nos ha contado todo?

sábado, 23 de septiembre de 2017

Detroit: Kathryn Bigelow no pierde su esencia y apuesta por la calidad

Hay algunos directores que parecen que nunca van a meter la pata, y una de ellas es Kathryn Bigelow, puesto que sus filmes se han convertido es una garantía de calidad. La ganadora del Oscar a mejor película y dirección por “En Tierra Hostil” (2009) nos presenta, cuatro años después de “La Noche más Oscura”, “Detroit”, una obra bastante educativa y que hará reflexionar sobre los errores que se han cometido en el pasado por culpa de los prejuicios.

El film, basado en hechos reales que acontecieron durante los años 60, cuenta la historia de los disturbios raciales que sacudieron la ciudad de Detroit, que se encuentra en el estado de Michigan, en julio de 1967, por causa de una redada policial en un bar sin licencia, que acabo por convertirse en una de las revueltas policiales más violentas de la historia de Estados Unidos.

                                          Foto: ecartelera.com

“Detroit” hará que el espectador se enfade y se indigne ante tanta crudeza, ante tanta injusticia. No podrá dar crédito sobre lo que está ocurriendo en pantalla, produciendo preocupantes escalofríos al pensar que está basada en hechos reales. Además, se agradece que esté rodada con dinamismo, y que su fotografía, a cargo de Barry Ackroyd sea tan sublime y te haga meterte completamente en la historia.

Gracias a sus continuos juegos de cámara, Kathryn Bigelow convierte “Detroit” en un largometraje claustrofóbico, angustioso, con el que el público querrá gritar de dolor. Es una película que te hace llorar de rabia, de pena y de sufrimiento. Gracias a su reflexión directa y vigorosa, la última cinta de Bigelow se convierte en una de las obras más humanas, sentidas y didácticas de la década. Una vez más, la directora demuestra que no hay nada que se le escape.

Valoración: 4/5
Lo mejor: Genera una angustia tremenda y logra que el espectador reflexione y se dé cuenta de las múltiples injusticias cometidas a lo largo de la historia
Lo peor: Que no todo el mundo esté dispuesto a hacer la reflexión que Bigelow pretende


sábado, 16 de septiembre de 2017

It: terror en estado puro


Si hay un topicazo claro en el cine de terror son los payasos. No hay persona a la que le aterrorice la idea de ser atacado por un payaso asesino. Si les tienes pánico, lo vas a pasar realmente mal con “It”, remake del clásico de 1990 basado en la obra de Stephen King. 


Andrés Muschietti, director de la descafeinada “Mamá” (2013), nos brinda una de las películas más terroríficas del año. Pese a que explota muchos recursos sencillos del cine de horror, logra dar bastante miedo, consiguiendo una obra muy original y que, sin duda, está a la altura de la novela del célebre escritor.


                      Foto: sensacine.com

Hay un montón de elementos que hacen que “It” funcione a la perfección. En primer lugar, su visión sobre la inocencia de los niños y su ternura hacen enganchar al espectador desde el minuto uno y que se sienta que está contemplando un filme de aventuras ochentero más que una cinta de terror. Poco a poco, la cinta va cogiendo un tono más y más oscuro, aunque lo hace sin ningún tipo de prisa.

Otra de sus cosas buenas es que, a diferencia de en otros largometrajes del género, en “It” sabes que va a haber un montón de sustos, pero no sabes cuándo van a ocurrir. Andrés Muschietti crea el clímax perfecto para mantenerte en tensión y, cuando el público se relaja y cree que todo ha pasado, es cuando viene el susto del bueno.
Si hubiese que definir en una sola palabra a esta obra de payasos asesinos, “inteligente” sería la palabra adecuada. El espectador entra a la sala pensando que va a ver más de lo mismo, y lo que no sabe es que la originalidad, el mal rollo y la angustia más profunda se apoderará de él.
Valoración: 4/5
Lo mejor: Sabe jugar con el espectador y provocar los sustos cuando menos se lo espera
Lo peor: Sus excesivos 135 minutos de metraje hacen que el clímax de tensión decaiga en algunas ocasiones

sábado, 9 de septiembre de 2017

Crítica de Tadeo Jones 2, en busca de la gracia perdida

Tadeo Jones fue un personaje creado por Enrique Gato en 2001. Este personaje bebe de multitud de referencias, siendo una mezcla entre Tadeo Jones y Súperlopez. Su primera aventura se convirtió en el cortometraje más premiado de la historia de España. Sus pocos minutos de metraje eran bastante divertidos, y era de agradecer un producto tan original.

Con su salto al largometraje en 2012, Enrique Gato demostró que era una persona con mayor vocación por los cortos. Las Aventuras de Tadeo Jones no tenía mucha gracia, perdiendo toda la esencia de sus cortometrajes originales y llegando a aburrir en la mayor parte de su metraje.

                            Foto: ecartelera.com

Con Tadeo Jones 2 pasa algo similar, solo que al ver algo regular por segunda vez hace que el espectador tenga la sensación de que este producto es más malo que el anterior. Al igual que hizo en "Atrapa la Bandera", Gato intenta compensar la poca fuerza de sus personajes protagonistas metiendo a un montón de secundarios que ejercen de roba planos a base de hacer bromas sobre todo lo que ocurre en escena.Mientras que en los otros dos filmes funcionaba y cumplía su propósito, en Tadeo Jones 2 cae por su propio peso.

Pese a que Tadeo Jones 2 divertirá a los más pequeños de la casa, no es un producto pensado para los mayores de 10 años. Carece de originalidad, y su argumento es mínimo. No aporta nada diferente y los personajes nuevos que aparecen no tienen carisma, mientras que los antiguos no avanzan en sus tramas.

Con Tadeo Jones 2 vuelve a quedar claro que la animación es la asignatura pendiente del cine español. Salvo algunas obras notables, el mundo animado debe mejorar en España, y con Tadeo Jones no lo ha conseguido.


Valoración: 2/5

Lo mejor: Tiene momentos muy divertidos y con ritmo

Lo peor: Su desmesurado uso de clichés y que no aporta nada nuevo a la historia

sábado, 2 de septiembre de 2017

Crítica de La Torre Oscura

Todas las adaptaciones cinematográficas de las novelas de Stephen King suponen un trabajo complejo para su director, al tener que plasmar la angustia y el temor que sienten todos los protagonistas de sus novelas. Si esto no fuera poco, Nikolaj Arcel ("Un Asunto Real"), se atreve a adaptar siete libros del autor en un solo filme.

"La Torre Oscura" es un proyecto bastante correcto pero que peca de ambicioso, y puede resultar algo indigesto. Además, se está preparando una serie de televisión complementaria a la cinta, por lo que tendremos presentes este proyecto para un buen rato.

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Para los que se hayan leído todas las novelas, se sentirán algo decepcionados, puesto que el largometraje dirigido por Nikolaj Arcel no sabe respetar la esencia del libro. Esa sensación de misterio y de escalofrío no se siente en la cinta, que opta por un tono más épico y fantástico, que en varios momentos no le pega para nada.

Además, al contrario que en la mayoría de las superproducciones de Hollywood, "La Torre Oscura" es demasiado corta. Se echa en falta más profundidad a sus personajes y a la historia en sí. Adaptar una obra tan densa tiene que ser un trabajo tan estresante que no luce nada que se diluya todo en 95 minutos.

Quizá, la elección del director para este proyecto no haya sido la más acertada. Visionando la película, al espectador se le viene en mente directores con un potencial creativo asombroso como J. J. Abrams o Matt Reeves. Además, Matthew McConaughey, que ha demostrado ser un gran actor gracias a sus últimos trabajos, no está igual de brillante que en otras ocasiones.

Por tanto, "La Torre Oscura" es un producto correcto sin más y que no engancha como debería. Si pretenden convertirla en una saga cinematográfica, más vale que se vayan poniendo las pilas u otra franquicia de Hollywood fracasará.

Valoración: 3/5

Lo mejor: Su estética entre vintage y futurista

Lo peor: No logra captar la esencia frenética de los libros, llegando en ocasiones a provocar el mayor de los bostezos

sábado, 26 de agosto de 2017

Valerian y la ciudad de los mil planetas: la descompensación interplanetaria

La primera media hora de “Valerian y la ciudad de los mil planetas” es una mezcla impactante de recursos audiovisuales magníficos que podrán deleitar todos sus espectadores. Solo por esto, el nuevo largometraje de Luc Besson debe ser tomado muy en serio.

La cinta cuenta la historia de Valerian y Laureline, quienes se encargan de mantener el orden en cada parte del universo. Su protagonista es Dane DeHaan, quien demuestra ser un actor con mucha potencia. Cara Delevingne, Clive Owen, la cantante Rihanna, John Goodman y Ethan Hawke completan el reparto.

En todo momento, el espectador se dará cuenta de que Valerian es un largometraje que está muy a la línea de las otras películas del director de “Lucy” o “El quinto elemento”. Sin embargo, la obra es desigual en su metraje. El público tendrá la sensación de encontrarse con partes muy poco equitativas y con actuaciones descompensadas y algunas muy exageradas, pudiendo llegar a agotar en muchos momentos.

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“Valerian y la ciudad de los mil planetas” es de esas películas que visualmente son una delicia, pero cuyo argumento deja mucho que desear y parece que ha sido escrito sin dejar algo de espacio al sentido común. Luc Besson intenta tocar muchas tramas, pero el resultado es que se acaban diluyendo y no se acaba de contar nada en concreto.

Por tanto, el filme supone una decepción después de su maravillosa media hora. Sus 138 minutos se hacen eternos y, en muchos momentos, parece que el espectador se encuentra ante una película de parodia, lo que hace que no se la tome nada en serio. Por tanto, Valerian demuestra tener un vacío en muchos de sus elementos principales, y se convierte en una de las mayores decepciones del año. ¿Tenemos ya candidata para los Razzies del próximo año?

Valoración: 2,5/5

Lo mejor: Una primera media hora magnífica

Lo peor: Pocas veces una película había estado tan descompensada en sus partes

sábado, 19 de agosto de 2017

Crítica de Atómica, un explosivo filme de espías

En un verano algo monótono y sin demasiados estrenos donde el cinéfilo más empedernido pueda disfrutar, se encuentra “Atómica”, un filme que, a priori, parece una historia de espías de Serie B, pero que logra sorprender al espectador con una puesta en escena brutal y con una Charlize Theron completamente entregada a la causa y brillante en su papel.

“Atómica” está dirigida por el realizador e intérprete David Leitch, quien vuelve a ponerse tras las cámaras después de su éxito con “John Wick: Otro día para matar”. La cinta cuenta también con actores de la talla de James McAvoy, que está especialmente brillante en su papel, Sofía Boutella y John Goodman.

El largometraje relata la historia de Lorraube Broughton, quien es una espía del MI6 que se ve obligada a trasladarse a Berlín después de la caída del muro para poner fin a una red de espionaje.

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“Atómica” tiene una estructura que recuerda a las películas de espionaje de los años 60. Además de esto, su director sabe sacarle partido a todos los elementos que tiene, consiguiendo que el filme parezca más impactante de lo que es realmente, con un fondo moral y político bastante interesante. Charlize Theron llena de fuerza y de garra a esta obra, consiguiendo que sea mucho más impactante que otras cintas del mismo estilo, como la fallida “Wanted”, protagonizada por Angelina Jolie.

Pese a que la historia que cuenta es mínima, echándose de menos en varios momentos una estructura narrativa más atractiva y compacta, “Atómica” tiene elementos bastante correctos que harán diferenciarlas de otros filmes aparentemente iguales, con peleas impactantes de alto nivel que se quedarán incrustadas en la memoria del espectador sin ninguna duda.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Charlize Theron está brillante. Es la que aporta dinamismo y fuerza a todo el metraje de Atómica

Lo peor: Se podría haber profundizado mucho más en su historia, echándose en falta algo más de imaginativa

sábado, 12 de agosto de 2017

Crítica de Spiderman: Homecoming

Eran muchas las personas que no estaban convencidas del regreso de Spiderman. Algunos de ellos veían que el nuevo enfoque que iba a tomar la saga era demasiado juvenil, mientras que a otros les parecía demasiado que en 15 años se hayan hecho 3 reboots diferentes de este superhéroe.

Está claro que la versión que menos convenció al público fue la protagonizada por Andrew Garfield, puesto que ni sus tramas ni sus escenas de acción estaban a la altura de la magnífica trilogía dirigida por Sam Raimi.

Spiderman: Homecoming es una sorpresa en muchos sentidos. A diferencia de las otras cintas del hombre araña, esta está claramente conectada con los otros superhéroes de Marvel. Su mezcla con Iron Man, uno de los más queridos por el público, funciona excelentemente. La ironía del personaje interpretado por Robert Downey jr se fusiona con el de Tom Holland. Probablemente este sea el actor más convincente de Spiderman y, con la increíble taquilla que está haciendo, no sería raro que lo interprete durante mucho tiempo.

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Jon Watts, director del filme, sabe mezclar perfectamente la acción con la comedia. Sus toques humorísticos son de lo mejor que lleva haciendo Marvel en mucho tiempo, alejándose un poco de los tópicos que siempre explota. Además, Michael Keaton está extraordinario como villano y funciona muy bien en pantalla.

Pese a sus 133 minutos, no se hace nada pesado. Al contrario, su montaje es tan dinámico que al espectador se le pasará el tiempo volando. Aunque al principio parecía más una producción Disney adolescente, ha demostrado que los más reacios estaban totalmente equivocados, y que el nuevo rumbo que ha tomado la saga ha sido excelente. En este caso, un cambio ha sido lo mejor.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Sabe mezclar perfectamente sus momentos de comedia con los de más acción

Lo peor: Quizá se hubiera cogido con más gusto si hubieran pasado más años desde que vimos al superhéroe hace 3 años

sábado, 5 de agosto de 2017

Abracadabra, una película que te dejará hipnotizado

Se ha hecho esperar, pero por fin ha llegado el día. En 2012, el director vasco Pablo Berger dirigió "Blancanieves", que se podría considerar todo un clásico en el cine moderno español y que logró emocionar a todos. Cinco años después vuelve con "Abracadabra", una comedia con tintes de suspense y ficción que cuenta con elementos espléndidos.

La cinta, protagonizada por Maribel Verdú, Antonio de la Torre y José Mota, cuenta la historia de Carmen, quien disfruta de una vida tranquila con Carlos, que tiene problemas con el primo de su mujer, que dedica su tiempo libre al hipnotismo. Cuando este hipnotista realiza uno de sus shows durante una boda, Carlos hace todo lo posible para arruinar el espectáculo. Para vengarse, Pepe decide hipnotizar al marido de Carmen. 

Imagen destacada
                                                 Foto: Elseptimoarte.net

Con el argumento, podemos afirmar que estamos ante una comedia absurda, pero que funciona muy bien en cada una de sus partes. Es fresca, innovadora y cuenta con unas interpretaciones magistrales, destacando el trabajo que realiza Antonio de la Torre.
"Abracadabra" cuenta con un humor poco convencional en el cine español, al que probablemente no estamos acostumbrados, pero es aquí donde radica su éxito. Es una comedia de la vieja escuela con situaciones bastantes innovadoras. Los personajes se mueven en un ambiente que denosta misterio, miedo y otra multitud de sensaciones. 

Este trabajo no tiene nada que ver con "Blancanieves" en cuanto a su argumento se refiere, pero sí sabe captar su esencia artística y su capacidad de sorpresa. Pablo Berger se reafirma, una vez más, como uno de los directores más completos del cine español, que cuenta con una sorprendente imaginación y con grandes ideas, y demuestra que sabe plasmarlas de manera magistral en la gran pantalla. 

Valoración: 4/5

Lo mejor: Es una película hecha para disfrutar y su estética y las magníficas interpretaciones logran que el espectador se meta por completo en la película

Lo peor: Tanta originalidad e idea nueva puede chirriar a cierta parte de su público