'Día de lluvia en Nueva York': Woody Allen ha vuelto en un film irregular

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Tras un 2018 sin ninguna película de Woody Allen, algo inusual en el panorama cinematográfico, por fin nos llega el que era un film inédito, titulado Día de lluvia en Nueva York, una cinta que mejora las últimas obras del director, quien no nos regalaba un film sorprendente desde Blue Jasmine.

La cinta es una comedia romántica que cuenta la historia de dos jóvenes que llegan a Nueva York para pasar juntos un fin de semana. Una vez se encuentren en la ciudad, el mal tiempo les acechará y vivirán una serie de trepidantes aventuras.

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Allen se rodea de un reparto joven encabezado por Timothée Chalamet, Selena Gomez y Elle Fanning, así como uno más adulto en el que sobresalen Jude Law, Rebeca Hall y Cherry Jones. El problema de lo nuevo del director de Toma el dinero y corre es el mismo del de sus últimos trabajos: Todo se reduce a un film coral que relata algo que ya se ha contado muchas veces y donde el factor sorpresa brilla por su ausencia y donde hay demasiadas casualidades. No obstante, su guion es muy efectivo. 

Nueva York es el fondo de esta historia que sirve para enamorarse aún más (si cabe) de la ciudad y para el lucimiento de Elle Fanning y Timothée Chalamet. Sus personajes, la crítica social y la atmósfera que construye está ahí, pero da la impresión de que ha llegado un punto en el que Allen siempre hace lo mismo. Un film correcto que no aporta nada nuevo a su filmografía pero que no estorba.

La buena química entre sus protagonistas y la energía que transmite su historia es probablemente lo mejor de un largometraje que resulta una fantasía un poco fugaz, una obra del director neoyorquino que no permanecerá en la memoria colectiva pero que no estorba. 

Valoración: 3/5

Lo mejor: Timothée Chalamet y Elle Fanning llenan de luz la pantalla
Lo peor: Que se haya visto envuelta en la polémica 

¿Por qué 'Bienvenidos a Zombieland' es considerada una película de culto?

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El 18 de octubre se estrena en las salas españolas Zombieland: Mata y Remata, secuela del film de 2009 protagonizado por Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone y Abigail Breslin. Lo que parecía ser una comedia tonta sin más, rápidamente se convirtió en una de las grandes sorpresas cinematográficas del año, que ha envejecido muy bien, hasta el punto de que haya quienes la califican como una película de culto. Pero, ¿qué tiene la cinta de Rubén Fleischer que la hace tan especial?

Ganadora del premio del público en el Festival de Sitges, Bienvenidos a Zombieland es una cinta donde las risas están más que aseguradas. En una época en la que los zombies invaden la cultura popular y, en la mayor parte de los casos, la corrompen, el largometraje encabezado por Jesse Eisenberg mezclaba perfectamente todos los géneros sin que quedase un extraño collage.

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Otro de los motivos por los que Bienvenidos a Zombieland funcionó como un tiro fue gracias al carisma de todos sus personajes y a unos actores entregadísimos a la causa. Su fuerza en el filme fue una de las causas de que hoy se encuentren entre los nombres más cotizados de Hollywood. Eisenberg, Harrelson, Stone y Breslin lograron formar una estupenda familia que caló en el espectador y que le hizo formar parte de algo muy especial.

Esta gozosa y sangrienta gamberrada se convirtió en un divertimento impagable que a la vez tenía un indudable respeto (un tanto irrelevante) a los clásicos del género. Uno de los mayores placeres culpables cinematográficos que llegaron a nuestras pantallas en 2009. ¿Logrará su tardía secuela contar con ese componente tan absurdo e ingenioso? ¿Enamorará al espectador? Queda poco para comprobarlo.

Los cinco mejores papeles de Maribel Verdú

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La carrera de Maribel Verdú pasó a primera línea gracias a su papel en Y tu mamá también, de Alfonso Cuarón. Protagonista de cintas como Ola de crímenes o Blancanieves, Verdú ha demostrado que es capaz de adaptarse al drama, al thriller o a la comedia. Con motivo del estreno de El asesino de los caprichos, última cinta de Gerardo Herrero, el 18 de octubre, hoy repasamos sus cinco mejores papeles.

El laberinto del fauno (2005)

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La cinta de Guillermo del Toro es la primera gran producción de Verdú. En ella, la actriz interpreta a Mercedes, la madre de una niña que sueña con mundos fantásticos para poder abstraerse del horror de la Guerra Civil Española. Una cinta en la que saca todo su sentimentalismo y ofrece un papel sobresaliente.

Siete mesas de billar francés (2008)

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El primer Goya de Verdú llegó en 2008 con su papel como Ángela en Siete mesas de billar francés, dirigida por Gracia Querejeta. Su personaje requería de sensibilidad y voluntad y, poco a poco, va descubriendo que la vida es una mezcla del azar, la vergüenza, el miedo, el rencor y el sufrimiento no expresado. Sus silencios son de los más mágicos que recordamos del cine español.

Los girasoles ciegos (2008)

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Los girasoles ciegos se desarrolla en los años 40, cuando Elena (Verdú) y su hijo Lorenzo tratan de ocultar los secretos de la familia mientras sortean las situaciones más dramáticas de la posguerra. La actriz madrileña sabe captar bien el drama y aportar momentos de llanto mudo, de desesperación y de rabia.

Tetro (2009)

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Maribel Verdú ha trabajado con el que es considerado como el mejor director de todos los tiempos: Francis Ford Coppola. En Tetro, Verdú interpreta a Miranda en un film que le valió una nominación al Goya a mejor actriz de reparto y que cuenta la historia de Bennie Tetrocini, quien regresa a Buenos Aires para buscar a su hermano mayor desaparecido hace diez años.

Blancanieves (2012)

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Encarna es, probablemente, el mejor papel que ha interpretado Verdú. El film huye del clásico cuento y se instala en la crueldad y la maldad de una madrastra que no soporta que su hijastra Carmen sea querida, valorada y salga adelante. Este papelón le valió su más que merecido segundo Goya.

Amenábar vuelve en plena forma con 'Mientras dure la guerra'

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Alejandro Amenábar es considerado como uno de los mejores directores del mundo, aunque este título parece que se vio amenazado durante un tiempo. Su Regresión parece que decepcionó a casi todo el mundo y, aunque sus críticas fueron algo desmesuradas, lo cierto es que sí que estábamos ante la peor película del director. ¿Había involucionado? ¿Sus ideas se estaban esfumando? Con Mientras dure la guerra tenía mucho que demostrar: hacer ver al público que sufrió un pequeño traspiés en su espléndida filmografía, pero que ha vuelto en forma.

Una vez vista Mientras dure la guerra, podemos confirmar que Amenábar ha puesto toda la carne en el asador con un film que, aunque no estará libre de polémica, entusiasmará a todos aquellos que pudieron perder en algún momento la fe en el director. La cinta se desarrolla en el verano de 1936, cuando el escritor Miguel de Unamuno apoya de manera pública la sublevación militar que promete aportar orden a la convulsa situación del país. Tras esto, inmediatamente será destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca, mientras que el general Franco suma sus tropas al frente sublevado iniciando una exitosa campaña con la esperanza de hacerse con el mando único de la guerra.

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La cinta destaca por dos cosas: la primera es Karra Elejalde, él es la película y su interpretación la eleva sin ninguna duda a la mejor de su carrera; la segunda es el manejo de Amenábar con la cámara, quien es capaz de hipnotizar, de que el espectador esté pendiente en todo momento de lo que sucede en la pantalla aunque no le interese especialmente lo que sucede en la pantalla.

Mientras dure la guerra es un largometraje necesario en una época donde tiende a olvidarse el pasado y existe la tentación de querer reescribirlo de una forma distinta. Se hace complejo relatar el inicio de la guerra desde un lado rebelde, y más todavía si se tiene en cuenta lo contradictorio que fue Unamuno, teniendo como telón de fondo a los sublevados y al propio Franco. Un ejercicio arriesgado que Amenábar sabe superar con nota y demostrar que ha vuelto a primera línea.

El largometraje se hace duro al demostrar lo convulso que fue el franquismo, y quizá por eso se hace tan efectivo. Mientras dure la guerra es sólida, cuenta con personajes bien trabajados y una historia que engancha. Se avecina duelo Almodóvar - Amenábar en los Goya.

Valoración: 4/5
Lo mejor: Karra Elejalde enseñando registros que nunca imaginábamos que tenía
Lo peor: Que haya piensa que puede ser algo partidista

Películas que suavizarán la tempestad del otoño

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El largo, oscuro y frío otoño ya está al caer. Una época donde la alegría que desprende el verano se sustituye por la vuelta a la rutina y al caos. No obstante, la cartelera se pone las pilas y deja atrás la pobreza del verano para ofrecer estrenos de lo más potentes.

• Joker (4 de octubre)

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Desde que se anunció que Joaquin Phoenix interpretaría al Joker, las expectativas se elevaron por las nubes. Dirigida por Todd Phillips, responsable de Resacón en Las Vegas, la cinta se aleja de los cómics para presentarnos una nueva versión del personaje. Desde que se proyectó en la sección oficial de la última edición del Festival Internacional de Venecia, las expectativas han ido aumentando. ¿Será cierto que Phoenix podría optar al Oscar por su papel? Queda poco tiempo para comprobar si Joker es tan buena como parece.

• El jilguero (11 de octubre)

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La adaptación de la novela homónima de Donna Tartt, ganadora del Pulitzer a la mejor obra de ficción en 2014, cuenta con un reparto encabezado por Ansel Elgort, Nicole Kidman y Sarah Paulson. El jilguero relata la historia de un niño de 13 años que vive una experiencia traumática al visitar con su madre el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. Si el film es tan bueno como el libro, podría arrasar en la próxima temporada de premios.

• Terminator 6: Destino Oscuro (31 de octubre)

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Desde la tercera entrega, Terminator no ha hecho más que decepcionar al espectador. Por eso, parece que quieren hacer como si estas películas nunca hubiesen existido, ya que la sexta parte será la secuela directa de Terminator 2: El juicio final. Adaptándose a los nuevos tiempos, será la cinta más femenina de la saga, ya que estará protagonizada por Natalia Reyes, Mackenzie Davis y Linda Hamilton, aunque también podremos ver a Arnold Schwarzenegger.

• Frozen 2 (27 de noviembre)

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Frozen se convirtió en la película de animación más taquillera de la historia. Por eso, su secuela es muy esperada y, aunque aún no se saben muchos detalles de su historia, por el tráiler parece que estamos ante una secuela más adulta. Una historia que promete ofrecer sentimientos, acción y, sobre todo, mucha, mucha nieve. ¿Habrá alguna canción que logre enamorarnos tanto como Let it go?

• Star Wars Episodio IX: El Ascenso de Skywalker (20 de diciembre)

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Si hay un estreno de Star Wars, es imposible que no se cuele en la lista de las cintas más esperadas. J. J. Abrahms vuelve a ponerse tras la dirección después del polémico Episodio XVIII dirigido por Rian Johnson. La cinta supondrá la lucha definitiva entre el lado oscuro de la fuerza y la ya Jedi, Rey. Una película que tiene que responder a muchos interrogantes para cerrar la nueva trilogía de forma más que satisfactoria

'Downton Abbey': Una película totalmente fan service

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La familia Crawley ha vuelto. Si eres seguidor de Downton Abbey no puedes perderte una de los mayores fan service de la historia. El filme está hecho a gusto del consumidor y eso se nota. Michael Enger dirige una película con 122 minutos muy disfrutables y donde destaca una persona por encima de las demás: Maggie Smith.

El filme se sitúa justo después de la finalización de la serie y, en él, la familia Crawley y su carismática servidumbre se prepara para el momento más crucial de sus vidas: una visita del rey y la reina de Inglaterra que desatará una situación de escándalo, romance e intriga que pondrá en peligro el futuro de los Downton.

La película es lujosa, con una factura impresionante y con un diseño de producción y vestuario excelente, muy fiel al de la época. Todos los personajes importantes están de vuelta en una estupenda cinta muy nostálgica y que cuenta con una carga menos dramática que en la serie para ofrecer mayor comedia.

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No obstante, con Downton Abbey nos encontramos con un gran problema: mientras que la película te encantará si eres fan de la serie, si nunca has visto la serie o no la has seguido con demasiado entusiasmo, te atraerá bastante poco este viaje a la nostalgia y no podrás apreciar todo el universo que se te plantea. Puede que no sea un largometraje necesario, pero si viste con lupa sus seis temporadas, este spin off te gustará y mucho.

Valoración: 4/5
Lo mejor: Maravillará a los seguidores de la serie
Lo peor: Que esté hecha solamente para los que son muy, muy fans

Crítica de 'Infierno bajo el agua'

Cada vez llegan películas más parecidas a la gran pantalla. Si la semana pasada se estrenó A 47 metros 2: El terror emerge, esta semana ha llegado Infierno bajo el agua, versión algo menos serie B que la anterior pero que llega en un momento donde la saturación ante contar siempre las mismas historias es palpable.

La cinta cuenta la historia de una mujer que lucha por salvar a su padre cuando se produce en Florida un huracán de categoría 5. Sin embargo, mientras ambos tratan de huir, la tormenta les deja encerrados dentro de una casa que se inunda y en la que tendrán que hacer frente a una legión de salvajes depredadores.

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Alexandre Aja, responsable de Las colinas tienen ojos, Reflejos (Mirrors) o Piraña 3D, dirige el film de terror con cocodrilos dentro de huracanes que siempre los espectadores hemos querido. Aparte de una película palomitera más que notable, logra ser uno de los filmes de terror más satisfactorios de los últimos años.

Infierno bajo el agua es una premisa simple pero efectiva, ya que Alexandre Aja sabe cómo crear una película emocionante llena de suspense. Aceptando lo absurda que es su premisa, los que buscan emocionan fuertes agradecerán el ritmo ágil de los sustos, su agilidad, las complicaciones a las que tendrán que hacer frente a los personajes y sus escapadas.

A través de un movimiento de cámara vertiginoso, Infierno bajo el agua tiene mucha acción, unos efectos especiales impresionantes y unas imágenes asombrosas de caos y destrucción. Aunque su narrativa y su lógica es muy cuestionable, lo nuevo de Aja presenta el drama necesario como para tenernos atrapado en la butaca durante 87 minutos. Una propuesta que lo confirma como uno de los maestros de terror del siglo XXI.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Lo bien que funciona y la efectividad que logra pese a contar con una premisa muy trillada

Lo peor: Que su narrativa no esté tan cuidada como todo lo demás

Crítica de 'Remember Me'

El alzhéimer siempre ha dado juego en la historia del cine, y este es uno de los principales temas de Remember Me, dirigida por el español Martín Rosete, lo que supone su segundo largometraje (tras Dinero) y con un cast de lujo encabezado por Bruce Dern y Caroline Silhol, y que también cuenta con Verónica Forqué.

Remember Me cuenta la historia de un amor imposible entre Claude, un hombre viudo de setenta años y Lilian, una mujer que tiene Alzhéimer y está ingresada en una residencia especializada. Con la ayuda de su amigo Shane, Claude decide fingir la enfermedad e ingresar en la misma residencia para poder estar junto a ella.

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Lo más interesante de Remember Me no es la historia que cuenta, que al fin y al cabo puede estar un poco trillada, sino cómo se cuenta. El introducir el personaje de Tania, nieta de Claude, una adolescente problemática que se volcará con la historia de su abuelo, hacen que la cinta esté llena de sentimientos y, sobre todo, de una honestidad envidiable.

Caroline Silhol es pura honestidad en el film, y su papel de Lilian la eleva a lo más alto. Todo funciona gracias a los sentimientos que transmite y a su mirada, que sabe decir mucho sin tener que recurrir a lo verbal. Por otro lado, Bruce Dern está entrañable y tierno en la medida justa, sin sobrepasarse ni caer en el exceso. Su equilibrio es lo que hace que Remember Me sea más que correcta al no pecar de empalagosa. Además, sus toques cómicos reducen su gran peso dramático, por lo que el equilibrio es una de las principales virtudes del notable segundo largometraje del español Martín Rosete.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: La asombrosa química entre Bruce Dern y Caroline Silhol y la capacidad que tienen para transmitir con pequeños gestos

Lo peor: En algunos momentos es más densa de lo que pretende

Crítica de ‘Midsommar’

El año pasado se estrenó Hereditary, una de las cintas de terror más perturbadoras que se han filmado nunca. Su deslumbrante arranque, su imprevisibilidad y la impactante actuación de Toni Collette la elevaron a lo más alto. Ahora, su director Ari Aster vuelve con Midsommar, un relato de terror donde el espectador lo pasará muy mal y no podrá procesar lo que va ocurriendo en la pantalla.

En Midsommar, una pareja estadounidense que no está pasando por su mejor momento acude con unos amigos al Midsommar, un festival de verano que se celebra cada 90 años en una remota aldea de Suecia. Lo que comenzará como unas vacaciones de ensueño en un lugar en el que el sol no se pone nunca, poco a poco se va convirtiendo en una oscura pesadilla cuando los misteriosos aldeanos les invitan a participar en sus perturbadoras actividades festivas.

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A través de una presentación minuciosa de los personajes, Midsommar se va adentrando poco a poco en un aura de misterio que le sienta muy bien. Lo que parece un drama independiente, se va convirtiendo poco a poco en un relato de terror muy desagradable donde Aster juega con la psicología y a perturbar al espectador.

Nada es lo que parece en Midsommar y, cuando da la sensación de que el film va a tomar un tono determinado, de repente cambia con un giro argumental que nadie espera. Lo nuevo de Aster es de una inteligencia absoluta y, aunque la historia no es igual de interesante que en Hereditary, ya que en esta el juego de la familia tomaba un papel fundamental, el segundo largometraje del estadounidense es escalofriante y nos deja algunas imágenes que tardaremos tiempo en olvidar. Esperamos que el año que viene vuelva a deleitarnos con otra joya.

Valoración: 4/5

Lo mejor: La originalidad de su propuesta

Lo peor: Pensar que a Ari Aster se le pueden acabar rápido sus ideas

Crítica de ‘El cuento de las comadrejas’

¡Por fin! Juan José Campanela ha vuelto. Desde que en 2013 nos ofreció la decepcionante Futbolín, no habíamos vuelto a contemplar ningún largometraje del director hasta ahora. El cuento de las comadrejas, remake del film argentino de 1976 Los muchachos de antes no usaban arsénico, es una comedia negra protagonizada por Graciela Borges, Oscar Martínez, Luis Brandoni y Clara Lago que es menos brillante de lo que espera del cineasta.

El cuento de las comadrejas cuenta la historia de una bella estrella de la época dorada del cine, un actor en el ocaso de su vida, un escritor cinematográfico frustrado y un viejo director hacen lo imposible por conservar el mundo que han creado en una vieja mansión ante la llegada de dos jóvenes que presentan una amenaza que lo pueda poner todo en peligro.

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El film es una manera de homenajear al cine argentino de oro. Sin embargo, no sale todo como debería, puesto que su humor se va diluyendo lentamente de la negrura para hacerse algo ingenuo y que no le pega nada a un director que ha demostrado en otras ocasiones que la complejidad es su mejor baza.

Su guion tiene un humor inteligente y abunda en diálogos que se convierten en duelos verbales que potencian el humor negro. La película consigue generar sonrisas y lágrimas desde una manipulación compartida con los espectadores. El cuento de las comadrejas es un relato amable con una moraleja servida al espectador en bandeja, ya que no se busca que su público reflexione, sino que lo ofrece todo mascado. El largometraje se puede ver, pero, al contrario de lo que ocurría con El secreto de tus ojos, este no permanecerá en la memoria del espectador, sino que se le olvidará poco después de que salga de la sala.

Valoración: 3/5

Lo mejor: La coralidad de sus actuaciones

Lo peor: Esperábamos mucho más de lo nuevo de Campanela

‘Spider-Man: Lejos de casa’, mismas dosis de comedia y acción

En 17 años hemos tenido cuatro Spider-Man (tres en carne y hueso y uno animado). La mejor sigue siendo, sin lugar a dudas, la dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire. Después vino la encabezada por Andrew Garfield, la que peor ha funcionado tanto en crítica como en taquilla al no encontrar su identidad. En 2017, llegó Spider-Man Homecoming, dirigida por Jon Watts y protagonizada por Tom Holland. En esta ocasión, la acción casi desapareció para presentarnos un film de comedia con un Spider-Man mucho más joven de lo que estamos acostumbrados.

Dos años después, Jon Watts vuelve a ponerse frente a la dirección para contarnos una nueva historia de nuestro hombre araña favorito. En esta  ocasión, Peter Parker decide irse junto a MJ, Ned y el resto de sus amigos a pasar unas vacaciones por Europa. Sin embargo, el plan de Parker por dejar de lado sus superpoderes durante unas semanas se ven truncados cuando Nick Fury contacta con él para solicitarle ayuda y así frenar el ataque de unas criaturas elementales que están causando el caos en el continente. En ese momento, Parker volverá a ponerse el traje de Spider-Man para cumplir con su labor.

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En Spider-Man: Lejos de casa, Watts conserva el espíritu de la anterior entrega. De nuevo, la búsqueda constante del gag priva a los personajes de capacidad para la empatía. Peter Parker ha dejado de ser un héroe para ser un chaval encantador, pero lo que le sucede no nos importa demasiado.

Es una propuesta que no añade prácticamente nada y sin ninguna escena que sobrepase los límites de lo ya visto. Sin embargo, se agradece que, en esta ocasión, se haya apostado más por la acción. En Spider-Man Homecoming las escenas de comedia eran mucho más frecuentes a las de acción y, en Lejos de casa, han sabido aportar más escenas de adrenalina, aunque siguen sobrando unas partes cómicas demasiado largas, como las protagonizadas por el personaje de Jacob Batalon, el mejor amigo de Spider-Man que, pese a estar insertadas para hacer gracia, lo único que hacen es sacar de contexto al espectador, provocando que resulte frustrante y que le quite toda la emoción.

En esta secuela se agradece que el espectador tenga más oportunidad de conocer a personajes como el de Zendaya. Si en la primera parte solo se centraba en Spider-Man, aquí todo está más concentrado para que el público pueda saber más acerca de quienes rodean a nuestro héroe. También, ha sido un acierto el incorporar el personaje de Jake Gyllenhaal, quien aporta las grandes dosis de acción al film, así como eliminar a Iron Man (era obvio después de lo ocurrido en Vengadores: Endgame), que lo único que hizo en la anterior entrega fue robar escenas a Spider-Man, el verdadero protagonista de esta función.

Watts acierta con esta segunda parte donde da carta blanca a un juvenil, divertido, entregado y desacomplejado Peter Parker para que birle todo un señor blockbuster superheroico y lo conduzca por carreteras de luminosa complicidad. Una película que se eleva porque Holland le otorga alas. Spider-Man: lejos de casa, arranca desinhibida, dulce y ligera y parece como una especie de pequeño milagro de una Marvel que demostró ser demasiado densa con Vengadores: EndGame. Por todo ello, el resultado es un Spider-Man que resulta un poco más impactante que el anterior que vimos, excitante y con un reparto que funciona muy bien y que da a (casi) todos el protagonismo que merecen.

Valoración: 3/5

Lo mejor: La frescura que Tom Holland aporta al personaje

Lo peor: Que los puntos de comedia que intentan aportar con el personaje de Jacob Batalon sean insulsos y resten dinamismo al film

Crítica de ‘Los días que vendrán’

Los días que vendrán es la última genialidad de Carlos Marques-Marcet quien vuelve a firmar una obra estupenda como ya hizo en 10.000 km (2014). La cinta cuenta la historia de Vir y Lluis, quienes solo llevan un año saliendo juntos cuando descubren que están embarazados. Durante 9 meses, el espectador seguirá la aventura de la joven pareja y el giro enorme que dará su vida, sus miedos y alegrías.

La película sabe explorar de manera brillante la dificultad de compartir con el otro la experiencia profundamente transformadora de este proceso. Un aspecto positivo de Los días que vendrán es que la protagonista está realmente embarazada y su compañero en la ficción es su pareja real. El film dedica bastante metraje a retratar cómo evoluciona la relación de los personajes, siendo muy interesante descubrir cómo la experiencia del embarazo provoca una ruptura en el entendimiento de sus protagonistas, más allá de su vínculo sentimental.

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Su carga dramática se sigue con gran interés gracias a un efectivo guion cargado de improvisación, una puesta en escena “invisible” que busca plasmar la vida cotidiana e íntima de sus protagonistas.

La ficción resulta tan espontánea y honesta que, a veces, parece que el espectador está viendo un documental. Uno de los puntos fuertes de Los días que vendrán incluye una vieja grabación en VHS con escenas del auténtico embarazo de la madre de la protagonista y su parto. El director se apoya con gran genialidad en esas imágenes para dotar de verdad y de reflexión a su tercera cinta. Una experiencia apasionante, que atrapa y estremece y que, sin duda, tiene todas las papeletas para triunfar en los próximos Premios Goya. Lo que sí es seguro es que se hablará mucho de ella y que se convertirá en una cinta de culto.

Valoración: 4,5/5

Lo mejor: Que nada en ella falla

Lo peor: Que ante tantas propuestas mayoritarias veraniegas pase totalmente desapercibida

Crítica de ‘Dragged Across Concrete’

Todo film debería durar menos de dos horas y, si sobrepasa los 120 minutos, tendría que estar justificado y ser totalmente imprescindible. Dragged Across Concrete dura 159, y se podrían haber eliminado 40 minutos de su metraje. Lo nuevo del director S. Craig Zahler, protagonizado por Mel Gibson y Vince Vaughn, comienza muy bien, pero va decayendo a medida que pasan los minutos.

En Dragged Across Concrete, dos policías, uno veterano y otro más joven, son suspendidos cuando un vídeo de sus duras tácticas se convierte en la noticia del día en todos los medios de comunicación. Mediante esta premisa, se embarcan en un viaje en el que habrá acción, crimen y, sobre todo, mucho thriller policiaco.

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La cinta comienza de una manera interesante, siendo una lectura lenta y obsesiva del más brutal cine de género, siendo un cine sucio, delicado y vulgar. Sin embargo, conforme van pasando los minutos, comienza a ser más y más repetitiva, con un regusto a serie B demasiado fuerte y que espanta. Su material es tan sórdido y banal que no justifica en absoluto su extensa duración.

En Dragged Across Concrete sobran las palabras. Recuerda, en muchos momentos, a una cinta de Tarantino debido a que los diálogos interminables ocupan una parte muy elevada en su narración, lo que la hace tediosa hasta límites insospechados.

Además, su extrema violencia no está para nada justificada. Su primera parte es claramente superior a la segunda, en la que todo se vuelve demasiado oscuro y sombrío y en la que el espectador ha perdido todo el interés que en algún momento le pudo llegar a generar. Ni la entrega de un Gibson como hacía tiempo que no veíamos logra causar una impresión mayúscula.

Valoración: 2/5

Lo mejor: Mel Gibson entregado al 100%

Lo peor: No hacía falta que fuera tan, tan larga

Crítica de ‘Upgrade (ilimitado)’

Leigh Whannell, director de Insidious: Capítulo 3, se atreve con Upgrade, un thriller del sello Blumhouse Productions, un film que se centra en la venganza pero de una forma más novedosa. Con Logan Marshall-Green como protagonista, tras ver cómo su mujer es asesinada tras un accidente que le deja parapléjico, él tendrá que someterse a una operación que le permite volver a caminar para así poder vengar a su esposa.

Upgrade ofrece al espectador un viaje frenético, inventivo y emocionante, siendo bastante entretenida. Aunque tiene mucha acción, le falta un misterio que, realmente, deje al espectador con la boca abierta. No tiene nada que la haga 100% llamativa, aunque muchas de sus escenas y sus florituras son excelentes.

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La cinta es de esos thriller de ciencia ficción que son entretenidos pero poco originales. Su premisa es un poco predecible, aunque también es cierto que su misterio al principio parece obvio pero, poco a poco, va retorciéndose. Sus peleas son accesibles y memorables, con un aspecto retroapocalíptico interesante y con un espíritu muy rebelde.

Con la nueva apuesta de Blumhouse Productions, los fans del género estarán en el cielo. Sus impresionantes efectos especiales dan fuerza a Upgrade, una propuesta emocionante de bajo presupuesto, con corazón de cine serie B pero que logra una gran calidad. Su brutal juego de poder interno que cuenta con efectivos y bien medidos toques de humor, además de cierta reflexión como trasfondo para ofrecer un trepidante vehículo de entretenimiento. Con su mensaje de los riesgos que hay detrás de la promesa de inmortalidad por medio de la tecnología informática, es un episodio largo de Black Mirror con sus mismas dosis de misterio.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: El mensaje futurista que plantea y que logra ser muy entretenida

Lo peor: Que es poco original y, pese a tener muchas subtramas, no tiene una principal 100% sólida

Crítica de ‘A Dog´s Journey’

En 2017, Lasse Hallström dirigió Tu mejor amigo, film que estuvo rodeado de polémica tras filtrarse en las redes sociales unas imágenes del rodaje en las que los usuarios señalaban que se estaba maltratando a los animales y poniéndolos en peligro. Sin embargo, la cinta, protagonizada por Dennis Quaid y K. J. Appa (quien actualmente es una estrella gracias a su papel en Riverdale), resultó ser un éxito en taquilla en Estados Unidos debido a su bajo presupuesto, siendo este el motivo por el que se ha decidido rodar una segunda parte, titulada A Dog´s Journey.

En esta ocasión, Lasse Hallström cede el testigo a Gail Mancuso para narrar la conmovedora y sorprendente historia de un perro leal que encuentra el significado de su propia existencia a través de la vida de los humanos a los que les enseña a reír y amar.

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Esta segunda parte sigue el mismo esquema de la original. Parece que las cintas protagonizadas por perros es un recurso que nunca se va a agotar debido a que cuentan con bajo presupuesto y son rentables ya que atrae a un público familiar, pero su esquema no podría ser más repetitivo. Si has visto una es como si hubieses visto todas, ya que no se atreven a innovar lo más mínimo.

Ya es la segunda película que nos llega en 2019 de este estilo después de Uno más de la familia. Su mezcla de melodrama al estilo de Nicholas Sparks se dedica a manipular mecánicamente al espectador con su emotividad barata. Recuerda mucho a Mira quién habla, solo que esta vez el protagonista es un perro en lugar de un bebé. Su sensiblerío y la manera que tiene de provocar situaciones a través de la variación de la música hace que no funcione y que vuelvan a ofrecernos el mismo producto de siempre pero con una raza de perro distinta.

Valoración: 2/5

Lo mejor: Un Dennis Quaid entregado

Lo peor: ¿Por qué todas las películas protagonizadas por perros juegan a esa manipulación tan barata?

‘La última locura de Claire Darling’: Un motivo para creer en la comedia francesa

Los franceses se caracterizan, entre otras cosas, por hacer buen cine. Sin embargo, no tienen fama de poseer sentido del humor, y eso se nota en la mayoría de sus largometrajes de comedia. Intentan hacerse los graciosos pero, en lugar de conseguirlo, producen muchas veces vergüenza ajena, tal y como ha ocurrido con cintas como Bienvenidos al Norte o Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho? Sin embargo, siempre hay excepciones, largometrajes que parecen romper con esta maldición y que lanzan esperanzas al género, como es el caso de La última locura de Claire Darling.

La cinta, dirigida por Julie Bertucelli, encargada de Desde que Otar se marchó (2003) y El árbol (2010), ambas enmarcadas en el género dramático, se atreve ahora en La última locura de Claire Darling apostar por la comedia. Para ello, se vale de Catherine Deneuve, sin duda una de las mejores actrices del panorama cinematográfico francés.

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La película, que supone la adaptación de la novela estadounidense Faith Bass Darling´s Last Garage Sale, de Lynda Rutledge, se desarrolla en Verderonne, pequeño pueblo de Oise, cerca de París, donde es el primer día del verano y Claire Darling se despierta convencida de que es su último día con vida. Es por esto por lo que decide vaciar su casa y hacer un mercadillo. Estos objetos tan amados reflejan lo que ha sido una vida trágica y resplandeciente. Esta última locura de Claire provocará el regreso de su hija Marie, a quien no veía desde hacía 20 años.

En pantalla hay presencias que quedan muy por encima de sus personajes o la identidad de sus actores o actrices. Esto es lo que vemos en Catherine Deneuve. La actriz deambula en el film por una mansión familiar deshabitada salvo por las motas de polvo, infinidad de cachivaches relojeros y una tonelada de recuerdos amontonados en cada rincón.

Otro de los grandes aciertos de La última locura de Claire Darling es el trabajo de la directora de fotografía Irina Lubtchansky quien, con un cambio de luz, hace convivir en el mismo plano el tiempo presente, remembranzas y anhelos del porvenir. Los personajes se relacionan por medio de los objetos (un anillo, un reloj, una pintura, unos autómatas), el pasado y el presente se confunden en sus cabezas e, incluso, hacen acto de presencia física fantasmas del pasado. Bertuccelli mantiene el toque animista y el interés por las relaciones familiares presentes en su anterior trabajo, El árbol.

El realismo mágico es un buen recurso para endulzar historias trágicas, algo en lo que Julie Bertuccelli recurre en esta obra. La propuesta recuerda a la maravillosa La ventana, aunque con un suave alivio cómico. Estamos ante una de esas películas en las que parece que no pasa nada pero en las que ocurren muchas cosas.

A través de la inspiradora música de Olivier Daviaud, el espectador se meterá en escena y en el clima tan agradable que plantea. En definitiva, en La última locura de Claire Darling, Bertuccelli une a Catherine Deneuve y su hija, Chiara Mastroianni, en una cinta donde la octogenaria Claire Darling decide hacer una venta de todas las cosas que pueblan su enorme casa en la campiña. Su hija, una vieja amiga de ambas y el cura de la localidad, terminan visitando a una mujer que, sin motivo aparente, parece haber perdido la razón al anticipar su final. Una película adorable donde el presente y el pasado conviven de una manera hermosa, tratado a través de una delicadeza exquisita.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Las escenas de los personajes como testigos de su pasado

Lo peor: Un final que no está en consonancia con la armonía que caracteriza al resto del relato