lunes, 27 de marzo de 2017

El Fundador: telefilme con falta de debate

“El Fundador” intenta romper los esquemas de los biopics tradicionales, y eso le honra. No quiere tratar a Ray Kroc, su protagonista, como un ser amable y heroico, sino que quiere contar con toda objetividad la historia de un mentiroso que se apropió de una idea que no era la suya.
Realmente, el film no aporta nada nuevo. La historia es simple, convencional y previsible, pero su encanto radica en la sencillez y en no contar con pretensiones. Escenifica a la perfección la batalla de un par de hermanos y de un hombre cuya única aspiración en la vida es lograr el mayor éxito posible sea como sea.

“El Fundador” no se entendería sin la perfecta actuación de Michael Keaton, su protagonista, entregado a la causa con muchos cambios de registro e interpretando a dos personajes, simulando dos estilos distintos de vida: por un lado, un ciudadano rechazado y sin éxito en un principio y, por otro, un triunfador que ha logrado alcanzar ese Sueño Americano tan ansiado por muchos.
Pese a su correcta ejecución, se echa de menos que el largometraje no sea más ambicioso y que no cuente con un tratamiento más profundo. En vez de llevar la historia a la sátira más profunda y a una crítica social sobre la avaricia y la traición, John Lee Hancock queda a medio camino y no genera ese posicionamiento ético que se debería sobre la deshumanización de las personas con tal de conseguir éxito y riquezas.
“El Fundador” es una cinta entretenida e ideal para conocer más a fondo lo que se esconde detrás de la frecuentada cadena de restaurantes de comida rápida, pero no le saca todo su provecho y no logra ser más que un telefilme digno de un fin de semana por la tarde.

Valoración: 3/5
Lo mejor: La actuación de Michael Keaton. Él es el centro de la película.

Lo peor: Le falta gancho y se nota que su director no tiene ganas de generar polémica.

Crítica de "Plan de fuga"

Es una realidad que el thriller español está muy de moda y es uno de los géneros favoritos por el público. Después de empezar el año con “Contratiempo”, el thriller vuelve a la carga, aunque no con la fuerza que debería.

“Plan de Fuga” cuenta con un buen planteamiento y con unos actores excelentes. Su premisa es muy interesante, pero se va diluyendo poco a poco con un argumento aburrido y que no aporta nada novedoso. El film recuerda a otros que hemos visto anteriormente, como la reciente “Cien años de perdón”, con la que comparte incluso planes idénticos.
“Plan de Fuga” hubiera resultado un acierto si se hubiese hecho hace 10 años y no viniéramos de un 2016 excelente para el cine español. Los 105 minutos de metraje se hacen eternos, y ni siquiera Luis Tosar ni Javier Gutiérrez, excelentes en sus papeles, logran salvar a la película de la deriva más absoluta.
Los planos del largometraje son bastante buenos, y su dirección es perfecta, pero el guion no da más de sí. Intenta mantenerse desesperadamente para lograr una duración mínima, pero su idea no va más allá de un cortometraje. Además, se incluyen muchos personajes de relleno, como el de Alba Galocha, que no aporta absolutamente nada al largometraje y que es totalmente prescindible.
“Plan de fuga” intenta aportar elementos románticos con una trama nula y que carece de química. Su resultado es un batiburrillo de géneros que termina por no contar nada nuevo y cargarse lo que parecía una de las mayores producciones españolas del año.

Valoración: 2/5
Lo mejor: Su premisa es bastante interesante y cuenta con muy buenos actores, especialmente con unos impecables Luis Tosar y Javier Gutiérrez

Lo peor: Su trama no aporta nada nuevo y parece un remix de los últimos thrillers españoles que se han visto en la gran pantalla

domingo, 26 de marzo de 2017

Crítica de "Últimos días en la Habana"

“Últimos días en la Habana” es una película que está narrada como si de un documental se tratase. Relata y refleja con total sinceridad y verdad la realidad de la sociedad cubana.
El director de “Suite Habana” nos regala una historia que nos recuerda mucho al largometraje “Fresa y chocolate”. La cinta cuenta la historia de Diego, un enfermo de sida que está en sus últimos días de vida, y Miguel, su amigo de la infancia. Dos personajes contrapuestos que sirven perfectamente para relatar que la amistad no entiende de barreras y que siempre hay que luchar para conseguir lo que uno se proponga.

“Últimos días en la Habana” cuenta con mucha ironía la situación de la sociedad mientras que la cámara muestra una realidad indeseada por su director y por la mayor parte de las personas.
La película es algo irregular en su ritmo, contando con escenas muy buenas y con otras un poco aburridas, aunque su resultado final es un metraje con muchas más virtudes que defectos.
“Últimos días en la Habana” cuenta con dos brillantes interpretaciones: la de Patricio Wood y, sobre todo, la de Jorge Martínez, que es un homenaje homosexual a la brillante “Fresa y chocolate”. El largometraje reivindica muchas cosas, habla sobre la dureza de ser homosexual en un determinado país y cómo dos personajes que se han pasado toda la vida luchando han acabado, de una manera u otra, en una miseria injustificada y totalmente inmerecida.
En definitiva, un film para enamorados de la Habana que quieran conocer la realidad más absoluta de un país bello oscurecido por la dureza que sufre su sociedad.

Valoración: 3,5/5
Lo mejor: la vitalista interpretación de Jorge Martínez y el duro retrato que hace de la ciudad de la Habana

Lo peor: Es un film con muchas irregularidades y su interés decae en bastantes momentos

jueves, 23 de marzo de 2017

Crítica de "Verano 1993"

Carla Simón convierte el relato de su vida en una película hermosa. “Verano 1993” es una de las óperas primas más redondas que se han hecho. Relata un film sobre la dura infancia desde una perspectiva en la que no se cae en lo melodramático y contada desde una inocencia brillante.
“Verano 1993” cuenta la historia de Frida, interpretada magistralmente por Laia Artigas, que afronta el primer verano de su vida con su nueva familia adoptiva tras la muerte de su madre. La directora podría haber caído en el sensiblerío más profundo pero, en su lugar, intenta recurrir a la comedia gracias al carisma de sus dos protagonistas más pequeñas.

El largometraje logra remover conciencias y despliega sus emociones de una forma verdadera y cautivadora. En sus 100 minutos, no decae en su ritmo en ningún momento. No es una historia perfecta, pero sabe sacarle mucho provecho a los recursos que tiene, combinando el drama con la comedia y las nuevas experiencias con lo ya vivido anteriormente.
Todo su trabajo consiste en dar sentido a la ausencia, explicar el por qué de la pérdida e intentar reflexionar sobre una de las experiencias más traumáticas que se pueden tener. La cámara no busca más que seguir a una niña que, de pronto, se ve lejos de su ciudad.
“Verano 1993” busca que el espectador reflexione e interprete la película de la forma en la que se sienta más identificada con ella. Las jóvenes actrices del film construyen un universo ficticio y totalmente creíble que logran como resultado una cinta con muchos imperfectos pero con una verdad y emoción que cose todos sus rotos.

Valoración: 3,5/5
Lo mejor: La potente interpretación de Laia Artigas, que consigue manejar a su antojo las emociones del espectador

Lo peor: Algunas escenas son un poco largas y se nota demasiado su improvisación

miércoles, 22 de marzo de 2017

Crítica de "El Guardián Invisible"

Fernando Gómez Molina es sinónimo de éxitos en taquilla y de adaptar bestsellers. Después de la superproducción “Palmeras en la Nieve” (2015), el director nos presenta su obra más compleja y la mejor resuelta de todas.
Cómodo en el terreno de las adaptaciones literarias, “El Guardián Invisible” posee un alma de la que carecían sus otras películas. El guion de la cinta engancha y su resolución logra estar a la altura del resto del metraje.

El film logra captar la esencia mitológica y sobrenatural de la novela. Hace que el espectador se enganche durante los 127 del largometraje y que no quiera despegar en ningún momento sus ojos de la pantalla.
Otro acierto de “El Guardián Invisible” es su elenco, desde el primero hasta el último. Marta Etura interpreta magistralmente el papel de Amaia Salazar con una mezcla entre fragilidad y fortaleza. Mención aparte para los actores de reparto, especialmente para Manolo Solo y Elvira Mínguez, quienes aportan emoción a sus personajes.
El guion de “El Guardián Invisible” es quizá lo que reste calidad a la película. Pese a que engancha, cuenta con muchos momentos de confusión debido a la gran cantidad de personajes y situaciones que se dan. Su fondo sobrenatural y oscuro puede no ser agrado de todo el mundo, tratándose de una cinta menos comercial que las anteriores que ha hecho Fernando González Molina.
Su conjunto final es un film original, cargado de grandes actuaciones y con emoción a flor de pie. Además, cuenta con momentos brillantes, como el flashback sobre la infancia de la protagonista. Sin duda alguna, la producción de Atresmedia tiene todo lo necesario para convertirse en uno de los largometrajes españoles más exitosos del año.

Valoración: 3,5/5
Lo mejor: Sus interpretaciones y el flashback sobre la infancia que tuvo la protagonista.

Lo peor: Algunas situaciones son poco creíbles y necesitan transmitir más emoción.

martes, 21 de marzo de 2017

Crítica de "No sé decir adiós"

El reencuentro y el recuperar todo el tiempo perdido. De esta premisa parte el film del debutante Lino Escalera. Un drama que va a lo terrenal y a emocionar con una historia verdadera en la que se nos demuestra que tenemos que aprovechar todas las oportunidades que tengamos.
Desde la primera escena, el espectador sabe que está visionando una cinta en el que el miedo a decir adiós se apodera a los protagonistas y en el que Juan Diego empieza a hacer carrera para los Premios Goya del año que viene.

En “No sé decir adiós”, el universo femenino juega un papel fundamental, relatado como pocas veces se ha hecho en el cine. El personaje de Nathalie Pozas es bastante complejo y experimenta un montón de cambios, pasando de una alegría delirante a un miedo terrible a la pérdida entre escena y escena. También es muy interesante el poder contemplar el contraste entre las hermanas en el film, Lola Dueñas y Nathalie Pozas. Personalidades que no tienen nada que ver, que han desaprovechado su vida familiar y que ahora están dispuestas a recuperar todo el tiempo perdido.
Hay algunas escenas un poco largas y que le restan agilidad al producto final, como la del principio, que no le hace justicia al resto de la película, puesto que se presenta como una comedia cuando, realmente, es un drama profundo y que sabe tocar el alma y ahondar en algo tan complejo como es la emoción humana.
El resultado es un largometraje hermoso con una buena idea, aunque cuenta con muchas irregularidades y que no la hacen brillar con la fuerza que se merece.

Valoración: 3/5
Lo mejor: Las brillantes interpretaciones de Juan Diego y de Nathalie Pozas

Lo peor: Las escenas en el coche son muy largas y algunos diálogos restan calidad al producto final

lunes, 20 de marzo de 2017

Crítica de "La niebla y la doncella"

“La niebla y la doncella” cuenta con un excelente reparto, encabezado por Verónica Echegui, Quim Gutiérrez y Aura Garrido, y supone la adaptación de una novela de intriga, género que tanto está gustando últimamente en el cine español tras “El Guardián Invisible”.
El film empieza con una escena impactante que provoca que el espectador se meta de lleno en la historia, pero no todo es tan brillante como parece. Su interés va decayendo conforme avanza el metraje, metiendo situaciones caóticas y generando subtramas que no aportan nada a la historia, solo liar un guion que parecía estar muy bien ligado. Sus últimos 30 minutos se hacen eternos, provocando que el espectador ya no sepa que es lo que se estaba investigando realmente.

Verónica Echegui se sale de la pantalla, y las escenas en las que aparece son, sin duda, los mejores momentos de la cinta. Aura Garrido, Quim Gutiérrez y Roberto Álamo también están sobresalientes en sus papeles, haciendo que te puedas meter en la historia sin problema.  Mención aparte para Marian Álvarez quien, pese a salir muy poco, logra transmitir mucho y te deja con ganas de verla en un papel protagonista muy pronto.
Su fallo es su falta de gancho, el querer ser ambiciosa metiendo demasiados elementos y con faltas de escenas de más acción. No provoca emociones en el público. Podría sacar más partido a su guion y tiene algunos giros que están hechos con la única finalidad de provocar sorpresa e incredulidad, dejar con la boca abierta, pero carecen de cualquier lógica narrativa.
Su escenario y paisajes son hermosos, la producción y fotografía están cuidadas al mínimo detalle, pero falla el elemento más importante de cualquier film: que el guion no sepa sostenerse durante los 102 minutos de metraje y que se caiga después de prometer ser uno de los thrillers del año.

Valoración: 2,5/5
Lo mejor: Los escenarios que salen en el film son preciosos y Verónica Echegui está hipnótica

Lo peor: su guion cae por su propio peso y acaba siendo bastante aburrido

Crítica de "Amar"

Pasión, amor y celos. Este es el resumen principal de “Amar”, ópera prima de Esteban Crespo que levantará pasiones y rechazos al mismo tiempo.
El film, protagonizado por María Pedraza y Pol Monen es, cuanto menos, arriesgado, y con una historia a la que no se le saca todo el partido que se debería. Su drama y su romance se confunde en muchos momentos con lo erótico y explícito, dando la sensación en varias ocasiones de que estamos ante una película de adultos con escenas sexuales demasiado largas.

Pese a algunas irregularidades, “Amar” es una cinta bella que cuenta el complicado proceso del amor desde una perspectiva diferente y única que provocará la más absoluta emoción, pasando de la alegría al llanto en cuestión de segundos, con un tramo final lacrimógeno pero muy necesario.
El largometraje funciona, en gran parte, gracias a la entrega de sus impecables protagonistas, en especial de María Pedraza, con cambios de registros brutales.
“Amar” sabe reflejar perfectamente las situaciones del amor y de los adolescentes pareciendo, en muchas ocasiones, un documental que calca de manera exacta el proceso.
El espectador se sentirá identificado con el personaje de Carlos, quien logra empatizar con el público desde el minuto uno. Su personaje es quien más evoluciona y el más sufridor. Él representa a todos los jóvenes que no saben qué hacer con su futuro, que se sienten asqueados y engañados por la sociedad.
“Amar” es una lección de vida, que simboliza la madurez, la pérdida de inocencia, las obsesiones y la belleza del primer amor. En definitiva, una joya audiovisual, una película bella que, si hubiese eliminado algunas de sus escenas más explícitas, sería redonda.

Valoración: 4/5
Lo mejor: Mantiene en tensión al espectador en todo momento con situaciones impecables y con unas interpretaciones magníficas de María Pedraza y Pol Monen

Lo peor: su escena inicial, más propia de una película de cine X que de un drama con sentimientos a flor de piel

sábado, 18 de marzo de 2017

Logan: Una cinta de superhéroes poco convencional

“Xmen” es una saga con muchos altibajos. Algunas veces, logra películas brillantes, pero otras hacen que nos planteemos si las aventuras de estos mutantes deberían haber terminado hace mucho tiempo.
Los anteriores filmes protagonizados por Lobezno contaban con muchos defectos, y su resultado final era un producto aburrido que no hacía justicia a la saga. Sin embargo, con “Logan” pasa todo lo contrario, siendo, probablemente, lo mejor de Xmen que hemos visto jamás.
Una de las cosas por las que el filme de James Mangold funciona es debido a que no parece una cinta de superhéroes convencional. En sus 140 minutos, “Logan” explota un montón de géneros, como el spaghetti western y la acción más absoluta, convirtiéndose en una de las pocas obras de Marvel en la que una amenaza externa que va a acabar con la vida del planeta no es su argumento principal.

El film es un homenaje y una oda al personaje contado desde una perspectiva diferente. Esta vez, los villanos son la propia sociedad y un país que se hunde. Su estética recuerda mucho a la de la aclamada serie de Netflix “Stranger Things”.
El ritmo de la película es frenético. Con un comienzo impactante, la acción va in crescendo y la adrenalina se apodera de su protagonista. “Logan” es diferente a todo lo que hemos visto anteriormente de “Xmen”. Este es su principal punto a favor. Juega a ser más realista con los tiempos modernos y a tratar al espectador como un ser inteligente.
La dureza y violencia de sus escenas hacen de “Logan” un producto aún más atractivo. A diferencia de otros filmes del mismo género, el largometraje protagonizado por Hugh Jackman es exclusivo para adultos y se aleja de los clichés que Marvel siempre explota. Esta vez, el humor y los tópicos quedan relegados a un segundo plano, mientras que su potente guion adquiere todo el protagonismo.

Valoración: 4/5
Lo mejor: Su novedad y frescura.

Lo peor: Se podría haber conseguido el mismo producto con 20 minutos menos.

miércoles, 15 de marzo de 2017

La Vida de Calabacín: Una joya audiovisual ha venido a vernos

El cine de animación está viviendo unos meses gloriosos. Hace poco más de un mes llegaba a las salas españolas “La Tortuga Roja” (2016), a la que ya se le puede considerar como un clásico de la animación. Ahora tenemos el placer de disfrutar en nuestras pantallas de “La Vida de Calabacín”, un filme que nos vuelve a demostrar, una vez más, que la animación no es solo para niños.

La película cuenta con una fragilidad y con una capacidad excelente de emocionar al espectador. Se nos presenta una historia dura, trágica, cargada de sentimientos y de la más profunda desesperación bajo la mirada de unos niños aparentemente inocentes con una vida cargada de dolor.
La estética de “La Vida de Calabacín” es perfecta, le viene como anillo al dedo a la historia. Los rostros de sus personajes están muy bien conseguidos, puesto que los ojos de Camille, una de las protagonistas, son los de una niña que lo ha visto todo y ha pasado por muchos acontecimientos. A pesar de la tristeza de su argumento, la cinta no busca evadirse en el sensiblerío, sino que explota muy bien sus facetas y logra regalarnos algunas frases cómicas brillantes.
Con una duración de 66 minutos, el filme consigue transmitir multitud de emociones y permite que el público disfrute en cada segundo. “La Vida de Calabacín” es instructiva, te enseña muchas cosas de la vida y consigue remover conciencias.
Pocas veces una película ha conseguido tratar de manera tan brillante temas tan delicados como los abusos y la exclusión social sin caer en lo lacrimógeno y con un componente de realismo deslumbrarte. La animación ha vuelto a demostrar su poder, cada vez menos oculto.

Valoración: 4,5/5
Lo mejor: La síntesis que consigue hacer del dolor y la inocencia.

Lo peor: Que los niños se piensen que es una película para ellos y se escandalicen al verla.

lunes, 13 de marzo de 2017

Trainspotting 2: Melancolía y tributo disfrazado de algo novedoso

“Trainspotting” (1996) aportó grandes momentos a la cultura pop con una de las mejores bandas sonoras del cine y que todavía siguen incrustadas en nuestra memoria. 20 años después, Danny Boyle ha querido recuperar su éxito recuperando al elenco original y con una potente música una vez más, pero, ¿habrá conseguido superar el difícil reto?
“T2: Trainspotting” es un homenaje a su primera entrega, un agradecimiento del director a todo lo que esta película ha significado para él y para su filmografía, pero no consigue aportar nada nuevo a la historia. Los personajes no avanzan, se reúnen para rememorar lo que hicieron hace 20 años.

Este tributo hubiese estado muy bien para un programa especial en Prime Time de televisión recordando viejos momentos, pero el largometraje solo hace recordarnos lo buena que es “Trainspotting” y lo poco original de la secuela.
“T2” transcurre, en sus 117 minutos de largometraje, a la deriva y a la improvisación más absoluta, calcando en algunas ocasiones escenas de la anterior película.
La nostalgia es un ingrediente que funciona muy bien en algunas secuelas, pero el problema es basar un guion entero en esa nostalgia. El film logra adaptarse a los tiempos modernos incluyendo escenas y frases que hace 20 años no se nos hubieran pasado por la cabeza, pero estas novedades quedan en un segundo plano y se diluyen por la intención del director de primar lo que ya funcionada a arriesgarse con un nuevo producto.
“T2: Trainspotting” hace que el espectador pase un buen rato en el cine y que disfrute con su espectacular banda sonora, pero también consigue que una parte del público se plantee si no hubiera salido más barato ver en su casa, una vez más, la primera parte.

Valoración: 2,5/5
Lo mejor: La fuerza de sus canciones y la brillantez en algunos de sus diálogos

Lo peor: es una copia de su anterior entrega. No es nada mala, pero es injusto que se pinte como novedoso una repetición descarada de lo que funcionó hace 20 años.

viernes, 10 de marzo de 2017

Crítica de Fences: Vale para el teatro, pero no para el cine

Han pasado nueve años desde que Denzel Washington no dirige una película. Su última aventura tras las cámaras fue en 2007 con “The Great Debaters”. Al igual que en este film; “Fences” es un drama biográfico basado en la obra de August Wilson, que es el encargado de firmar su guion.
La materia prima con la que cuenta “Fences” es muy poderosa, y Denzel Washington consigue adornar muy bien los pocos elementos que intervienen en esta historia. Cada detalle y cada escena está pensada rigurosamente con el propósito de impactar al espectador. Las frases pronunciadas por Washington son puro arte y emoción, logrando deleitar al público.
En muchas ocasiones, da la impresión de que el guion de la cinta no ha sido adaptado correctamente para el cine, puesto que sus largos y excesivos monólogos son más propios de una obra de teatro.

“Fences” es un producto hecho para el lucimiento de sus dos actores. Denzel Washington está magnífico en uno de los mejores papeles de su carrera, pero Viola Davis está extraordinaria. Su emoción y sus constantes cambios de registro la convierten en una de las mejores actrices del siglo XXI.
“Fences” descuida las relaciones entre los personajes haciendo que la mayoría de escenas sean un monólogo con complicaciones en conectar todas sus piezas. La película está cargada de una rabia y una furia que le resta agilidad y que acaba convirtiéndose en un producto difícil de seguir para el espectador convencional.
“Fences” cuenta con una buena historia, pero acaba siendo un largometraje del montón en el que se demuestra que su narración es perfecta para el teatro, pero algo cargante para el cine. Al ser un film de diálogos, lo mejor es verlo en versión original y alucinar con la entrega de sus protagonistas.

Valoración: 3/5
Lo mejor: Denzel Washington y Viola Davis se salen de la pantalla

Lo peor: Que dé la sensación de que su libreto para el cine ha sido el mismo que el que se utiliza para teatro.

lunes, 6 de marzo de 2017

Crítica de "La Gran Muralla"

Zhang Yimou es considerado de los mejores directores de china y cuenta con un prestigio exquisito. Muchos de sus filmes, como “La linterna roja” (1991) y “Hero” (2002) han sido nominado al Oscar como mejor película extranjera. “La Gran Muralla” se aleja de sus trabajos anteriores y busca ampliar fronteras, aunque presenta muchas irregularidades.
La cinta protagonizada por Matt Damon quiere llegar al mayor público posible y, por ello, se aleja del sello de autor que caracteriza a Yimou. Hay directores como Denis Villeneuve que logran pasarse del cine independiente a uno más mayoritario sin que por ello pierda calidad el producto.
“La Gran Muralla” está concebida para ser un blockbuster, pero nada más. El largometraje es un batiburrillo sin sentido, con una mezcla entre antiguo y futurista como excusa para atiborrar al espectador de efectos especiales poco conseguidos y que solo hacen demostrar que no tenían para mucho presupuesto.

Si eres un asiduo al cine de este director, no busques esta vez historias complejas ni reflexión alguna. La cinta protagonizada por Matt Damon ha nacido para ser un espectáculo audiovisual ideal para acompañar con unas palomitas, pero sus personajes son cartón-piedra. No hay emoción ni sentimientos, no se puede empatizar con los protagonistas. Solo hay luchas, y su narrativa llega a ser bastante tediosa.
Ni siquiera un actor tan completo como Matt Damon logra salvar este barco, con una composición muy poco elaborada de este personaje. Si al espectador que va a verla le gusta el cine racional puede pasarlo bastante mal, puesto que su lógica es prácticamente inexistente. “La Gran Muralla” no es, para nada, de las peores películas que han llegado a la cartelera en los últimos meses, pero sí es de las mayores decepciones. Sin duda, es un espectáculo palomitero digno para un día de lluvia, pero pobre en su género.

Valoración: 2/5
Lo mejor: Escenas impecables de lucha
Lo peor: Es aburrida y carece de lógica.

viernes, 3 de marzo de 2017

Crítica de Jackie: una biografía poco habitual bajo la dirección de Pablo Larraín

El director Pablo Larraín ha pisado muy fuerte en estos últimos años. Después de saltar a la fama con “No” (2012), llegaron la polémica “El club” (2015) y la reciente “Neruda” (2016). Con “Jackie” se aleja un poco del estilo adoptado en sus últimos proyectos, aunque su toque personal está muy presente.
“Jackie” es una cinta muy humana que explora con total detalle los sentimientos de su protagonista después del asesinato de su marido. Pablo logra ser muy hábil a la hora de retratar el desconcierto de una persona que se ha quedado destruida y que no sabe encontrar su lugar en el mundo.

El film es bastante estimulante y complejo al contar un montón de situaciones. Es muy realista y la forma de tratar al personaje es exquisita. Una de las cosas por las que funciona es gracias al impecable trabajo de su actriz protagonista. Natalie Portman siempre está perfecta en todas las películas que hace, pero en “Jackie” hace un trabajo extraordinario y que se sale de lo común.
La intención de Pablo Larraín, al igual que hizo en “Neruda”, no es la de crear un retrato perfecto y utópico del personaje, sino que busca representar a todas las mujeres que han sufrido lo mismo que la señora Kennedy. Además, el director chileno se atreve a contar otros temas, como la separación entre lo que es la imagen pública que se tiene de un personaje y su más absoluta privacidad. Quiere romper con el recuerdo que tenemos de Jackie como icono del estilo para perturbar al espectador con frases lapidarias, con impactantes flashbacks y flashforwards.
Su banda sonora, de la mano de Mica Levi, es espectacular y provoca que el público se vea envuelto en la más absoluta desesperación de la protagonista.

Valoración: 4/5
Lo mejor: Una radiante Natalie Portman con uno de sus mejores papeles hasta la fecha.

Lo peor: Que marque cierta distancia con respecto al personaje.