Crítica de Black Panther: Vuelve el Marvel más oscuro y menos cómico (por fin)

Últimamente, el espectador tenía la sensación de que Marvel se había acomodado en una zona de confort en la que estaba estancada. Mientras que los últimos filmes de la compañía arrasan entre la crítica, parece ser que entre el público no están gustando tanto. Un buen ejemplo de ello es “Thor Ragnarok”, que decepcionó a la mayoría de fans.

Ahora, Marvel nos trae Black Panther, cinta dirigida por Ryan Coolger y protagonizada por Chadwick Boseman. Este capítulo de la Fase 3 recuerda demasiado a la estética futurista de “Guardianes de la Galaxia”, posteriormente copiada por “Thor Ragnarok”.

Black Panther es una historia de superación y lucha. El filme continuará con lo acaecido después de “Capitán América: Civil War” para contarnos la vida de T`Challa, que regresa a Wakanda para servir como líder de este país después de la muerte de su padre. T´Challa pasa a convertirse en Pantera Negra, una sigilosa criatura nocturna con agudos sentidos felinos.

Foto: Fotogramas.es

Este puede ser uno de los superhéroes menos conocido del universo Marvel, pero por ello no merece que no le demos una oportunidad. Lo cierto es que “Black Panther” se convierte en el filme de Marvel más oscuro desde que la compañía fue comprada por Disney. Una historia elaborada, con un guion impredecible y mucha acción son los elementos principales de esta nueva aventura.

Por fin parece que se ha hecho caso a los espectadores, puesto que “Black Panther” prescinde de esa comedia tan insulsa como innecesaria que estaba caracterizando a los últimos trabajos de Marvel. Aunque su arranque es algo lento y su estética parece un calco de “Los Guardianes de la Galaxia”, la cinta dirigida por Ruan Coogler es de lo más innovador que ha hecho Marvel hasta la fecha.

Valoración: 3,5/5

Lo mejor: Marvel prescinde de la comedia para centrarse solo en la acción

Lo peor: Una cierta empachera de superhéroes hace que no se disfrute todo lo que se merece

Crítica de "15:17 Tren a París": Vuelve el mejor Eastwood

A Clint Eastwood le encanta el patriotismo, eso ya lo sabemos. Casi todos sus filmes hacen alusión a algún héroe americano, al ejército o a algún conflicto social de Estados Unidos. En esta ocasión, el veterano director y actor nos trae una historia muy de actualidad con una característica bastante curiosa: sus protagonistas no son actores, sino que son las personas que sufrieron esto en la realidad.

El filme, basado en el libro escrito por los protagonistas de la historia y de la película, cuenta la historia de tres jóvenes americanos que, en un viaje a Europa, se enfrentaron a un terrorista en un tren con destino a París. En la cinta podremos ver la historia de sus protagonistas desde su niñez hasta la actualidad, mostrándonos también una serie de factores que predijeron el ataque.

Foto: Espinof.com

Este drama está muy de actualidad y es interesante la forma en la que se plantea. Esta vez, Eastwood no se rodea de grandes actores como hizo con Tom Hanks o con Bradley Cooper en sus anteriores trabajos, si no que busca contar una historia que no es muy conocida en un largometraje pequeño con quienes mejor pueden interpretar la situación: quienes sufrieron este ataque en sus propias carnes.

Como ya pasó anteriormente en “El Francotirador” o en otros filmes del director, Eastwood peca de un patriotismo desmesurado en casi todo su metraje y se olvida de que la cinta no solo se va a proyectar en Estados Unidos, sino que va a llegar a todas las partes del mundo. Y es que el principal problema del director estadounidense es que sus largometrajes pueden tener muchísimo interés y éxito en su país, pero es imposible que la historia cale de igual manera en otras partes del mundo.

Aun así, su nuevo trabajo no se merece desmerecimiento alguno. Angustiosa, emotiva y con un planteamiento interesante, la nueva película de Eastwood sea, probablemente, el mayor riesgo que ha asumido el director en muchos años. Ahí queda el resultado.

Valoración: 4/5

Lo mejor: La forma en la que está narrada y la originalidad de su propuesta

Lo peor: Un patriotismo y amor incondicional al ejército un tanto chirriante

Crítica de "El cuaderno de Sara"

Hacer filmes de intriga y secuestros es algo que se está convirtiendo en demasiado habitual para el cine español. En los últimos años nos han llegado gran cantidad de filmes de este estilo. El más reciente a sumarse a esta lista es “El cuaderno de Sara”, film dirigido por Norberto López Amado, responsable de series como “El accidente” y “Mar de plástico”.

Se nota el afán de Norberto por las historias enrevesadas y de giros inesperados. “El cuaderno de Sara” es una película entretenida sin más, con una historia que parece más de un telefilme que de una cinta llevada a la gran pantalla.

Foto: Fotogramas.es

El largometraje cuenta la historia de Laura, quien busca desde hace años a su hermana Sara, desaparecida en la selva del Congo. Un día aparece una foto de un poblado minero del Este del Congo con la imagen borrosa de Sara. Laura no lo duda un segundo y decide ir a Kinshasa adentrándose en el territorio de los Señores de la Guerra, sin saber que con esta aventura descubrirá un mundo oscuro que jamás se había planteado.

La historia en sí es interesante. El problema es el cúmulo de casualidades que ocurren en ella. Todo está cogido con pinzas para que suceda, lo que hace que sea poco creíble y que su público no se meta en la historia tanto como debería.

Por la forma en la que está rodada, por sus secuencias y por la manera en la que se cuenta la historia, parece que estamos viendo una de esas series de intriga españolas que son tan frecuentes en la actualidad y que tan bien funcionan. Un producto que busca ser uno de los thriller españoles del año y ser un éxito de taquilla, pero nada más.

Valoración: 2,5/5

Lo mejor: Una historia entretenida con un buen reparto en el que sobresale Marian Álvarez

Lo peor: Se parece tanto a muchas series españolas que su factor sorpresa es cero

Call me by your name: la película del año

Hay películas que, por naturaleza, están destinadas a convertirse en todo un éxito de crítica. “Call me by your name” es buena prueba de ello. Gracias a su delicadeza y al amor hacia el cine y hacia la vida en general que desprende, Luca Guadagnino consigue hacer uno de los mejores largometrajes que se han estrenado en los últimos doce meses.

“Call me by your name” cuenta la historia de Elio Perlman, un joven de 17 años que pasa el verano de 1983 en la casa de verano de sus padres al norte de Italia. Un día se presenta Oliver, el nuevo ayudante del padre de Elio, una persona muy encantadora. Ambos conectan muy rápido y, conforme el verano avanza, la atracción mutua de la pareja se va haciendo más intensa.

Foto: sensacine.com

Guadagnino nos regala un film transparente, profundamente emotivo e incluso divertido en muchos momentos. Es una de esas cintas que, por desgracia, escasean en la actualidad. Una mezcla delicada y perfecta de sensualidad y vulnerabilidad.

Puede que no guste a todo el público, ya que es una película que se sale de los parámetros establecidos y que puede resultar aburrida para aquellos que están acostumbrados a ver largometrajes más mayoritarios.

Una de las cosas que funciona tan bien de “Call me by your name” es la complicidad que tienen en escena sus actores protagonistas: Armie Hammer y Timothée Chalamet. Los dos brillan de forma independiente, pero, cuando comparten escena, la química es explosiva.

Gracias a estar tratada en un tono adecuado que evita caer en lo sensiblero y empalagoso, “Call me by your name” no entra en los estereotipos que suelen primar en este tipo de películas, lo que la hace mucho más disfrutable. En una palabra: imprescindible.

Valoración: 4,5/5

Lo mejor: La manera en la que está tratada la historia y la complicidad de sus dos protagonistas

Lo peor: Habrá mucha gente que no irá a verla porque no sabrá de su existencia